Jardineros de Roma

1965 – 1968

Dibujo de grafito y témpera s/papel

85 x 116 cm (medida con marco)

Obra perteneciente a la colección Museo Teresa Peña, Entrambasaguas

Fotografía de Lucía Lainz

La obra, pintada durante su estancia en Roma, presenta la mayor parte de los rasgos estilísticos propios de la pintura que Peña Echeveste desarrollará posteriormente, aunque en este caso no se trate de un asunto de tema religioso: el interés por la figura humana tratada con un marcado acento expresionista, un profundo fondo oscuro del que emergen los jardineros fuertemente iluminados, el recurso a los planos superpuestos que, aunque de eco cubista, han perdido la rotunda nitidez del trazo volviéndose más plásticos, y una cierta monumentalidad en la composición, derivada fundamentalmente del tamaño de las figuras situadas en un primer término muy marcado, que recuerdan la faceta de muralista de la artista.

MARÍA TERESA PEÑA ECHEVESTE (Madrid, 1935 – Entrambasaguas de Mena, Burgos, 2002)

RESIDENTE RAER 1965-1968

Pintora y grabadora formada en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, consiguió en 1965 una plaza de pensionada en la Academia de España, en la especialidad de Pintura de figura, convirtiéndose en la segunda mujer becada de la institución -tras la compositora María de Pablos Cerezo en 1928- y la primera artista plástica. Sus años en Roma fueron años de plenitud, en los que viajó además por Italia, Francia, Holanda, Bélgica y Alemania, abriéndose a las corrientes estéticas de la Europa posterior a la Segunda Guerra Mundial.

Si en un primer momento realizó una pintura de raíces cubistas que derivó hacia la abstracción, poco a poco fue orientándose -empujada por su profunda religiosidad- hacia el mundo de la marginación social. Inicia, así, una inexorable evolución estilística hacia el neorrealismo figurativo que llega a desembocar, frecuentemente, en un marcado expresionismo.

Su obra es considerada una perfecta conjunción entre el arte contemporáneo y la fe cristiana. En uno de sus escritos titulado Mi pintura, declara: “Como en el Génesis, me gusta partir de fondos negros, que no los considero pintura, sino vacío y tinieblas. Sobre ese vacío del negro, ausencia de todo, trato de iluminar con la luz las figuras que emergen […]. Esa luz esperanzadora que disipa las tinieblas no es otra cosa que la Luz Absoluta. Es decir, Dios”.

Tras su primera exposición en la Galería Quixote de Madrid en 1965, realizó numerosas muestras en Bilbao, Roma, Zaragoza, Mallorca, San Sebastián, Madrid, Vitoria, etc. Está representada en importantes museos y colecciones, como el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Reina Sofía de Madrid, el San Telmo de San Sebastián, el Rodríguez Acosta de Granada, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, las catedrales de Santander y San Sebastián, así como en el Museo María Teresa Peña de Moguer, en Huelva, y el Museo María Teresa Peña de Entrambasaguas (Valle de Mena, Burgos).

Hilealeah-OPA Locka-Real Estates/Levels

2010-2014

Impresión fotográfica sobre papel

120 x 145 cm

Obra en colaboración con Adler Guerrier

Propiedad de la artista

Fotografía de Rosell Meseguer y Adler Guerrier

La construcción del mundo que nos rodea, como un panorama de materiales, colores y formas que determinarán cómo será el mismo, es un relato de posibles —ficciones.

Para Koselleck la historia de la Modernidad nace junto a una forma particular de experimentar la temporalidad del mundo; nace con la experiencia vivida del campo histórico, es decir, los acontecimientos suelen frustrar las expectativas. Estos fenómenos imprevistos e impredecibles generarán otras expectativas antes frustradas, otras ficciones en potencia, otras realidades en acto.

Mc City es la inesperada y especulativa construcción de la ciudad, en este caso, Miami en contraposición pero también en asociación a la construcción de la ciudad europea, dando visibilidad al exceso frente a lo invisible, y también a los modos de especulación, deseo y oferta del mercado capitalista. El proyecto parte de la creación de archivos locales a partir del periódico miamense: The Miami Herald en diálogo con periódicos españoles. Son las noticias –los titulares- que se publican en la prensa, las que nos sitúan en los diversos barrios que construyen la ciudad – marcando a la sociedad que la habita y dotándola de capas de información visual, numérica y conceptual- incluyendo barrios de muy diversa índole e historia entre ellos Opa Locka.

ROSELL MESEGUER (Orihuela, 1976)

RESIENDETE RAER 2004-2005

Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, es artista y docente de esta misma universidad. También imparte lecciones  universitarias en otras facultades  de Latinoamerica, en el Máster de PHotoESPAÑA en el Museo de la Universidad de Navarra.

Dentro de su consolidada trayectoria, ha recibido premios como el Premio Mardel (finalista), Beques per a projectes d’investigació artístic del Consell de Menorca, premio edición Fundació Pilar i Joan Miró, Beca Botín, premio Fotografía Enaire (primer premio), premio Internacional de fotografía Pilar Citoler (finalista) o premio Artes Plásticas Gobierno de Cantabria.

Ha participado en múltiples exposiciones tanto a nivel individual como colectivo, entre las que destacan las instituciones The Photographers’ Gallery London, Manifesta8, Casa Encendida, Matadero de Madrid, Galerie im Taxispalais, The Stenersen Museum, Centro Cultural Borges o La Panera, entre otros.

Su praxis promueve la transformación del espacio y del tiempo, así como el concepto defensivo y minero en su campo militar, social o político; todo ello a través de metáforas visuales en donde la fotografía, instalación, dibujos, pintura, vídeo y documentación son medios constantes de su producción artística.

http://www.rosellmeseguer.com/

María Teresa León

2021

Collage s/papel

38,5 x 29,5 x 4 cm

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Lucía Lainz

La calle de la Ruda

2021

Collage s/papel

38,5 x 29,5 x 4 cm

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Lucía Lainz

Ambas piezas pertenecen a una serie de collage más amplia, realizados a partir de la documentación gráfica del proyecto. María Teresa León es un retrato de la dramaturga burgalesa, y La calle de la Ruda una reinterpretación de la fachada del número 19 de la calle Ruda, en Madrid, uno de los edificios destruidos durante los primeros bombardeos en la ciudad durante la Guerra Civil. La fotografía, atribuida a Luís Lladó, se convertiría en icono internacional inspirando carteles, montajes y dibujos para ilustrar la destrucción de la guerra.

Para aproximarse a una vida

2021

Serigrafía s/papel

50 x 70 cm

Obra perteneciente a la colección RAER

Esta pieza es una introducción a María Teresa León a través de lugares y personas que tuvieron una vinculación importante para ella, haciendo hincapié en las mujeres que supusieron una inspiración y modelo a seguir para ella como escritora. Pretende transmitir la idea de que una persona es a su vez el fruto de otras vidas que la preceden, que funcionan como modelos a seguir consciente o inconscientemente. Aparecen también en la obra retratos de personajes femeninos de la literatura y la cultura popular, que conforman un arquetipo de mujer que condiciona la propia escritura y personalidad de la escritora.

Presenta el exterior de la iglesia parroquial de Santa María de la Redonda, el capellán Sabiniano González, la casa familiar y la propia familia de María Teresa León, varios planos detalle de María Teresa de niña con su madre, su niñera y su tía; la dedicatoria que Emilia Pardo Bazán le dedicó el día de su comunión y los retratos de Dulcinea, Jimena Díaz de Vivar y Santa Casilda.

 YEYEI GÓMEZ (Madrid, 1993)

RESIDENTE RAER 2020-2021

Dibujante y viñetista, es graduada en Diseño Gráfico por la ESD, especializada en Grabado y Estampación en Arte10, y máster en formación de profesorado por la UAM.

Su obra se sitúa en el campo de la ilustración editorial, el humor gráfico y el cartelismo para medios como The New York Times o Frankfurter Allgemeine Zeitung.

En 2016 recibe el premio Injuve con el que publica Naufragio Universal, un compendio de sus viñetas reeditado en Francia en 2021 por Éditions en Apné, a los que siguen Guy (2017), Cuidado con los dueños (2023), El viaje (2023), y Spoiled baby (2023).

Su obra ha sido expuesta en galerías como La Empírica (2017), la Sala Amadís (2017 y 2018) o el Antiguo Hospital de Santa María la Rica (2018).

Ha organizado los festivales Lo Hacemos Nosotras (2019) y Autozine (2022 y 2023). También docente, ha desarrollado materiales sobre las capacidades expresivas del cómic (Cuaderno de clase, 2019).

https://www.yeyeigomez.es/

EUR Nº3 

Serie Coliseo Cuadrado

2013

Fotografía lambda s/papel Fuji film

100 x 70 cm

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de B. Zubero

La fotografía EUR Nº3 es una imagen de uno de los edificios más representativos del EUR, el Palazzo della Civiltà Italiana, construido entre 1938 y 1942 y conocido como el Coliseo Cuadrado, por estar inspirado en el monumento de la antigua Roma imperial.

Se engloba en la serie de fotografías que realiza durante su estancia en la Academia de edificios ligados al periodo fascista, situados en el barrio EUR, construido con el fin de albergar la Esposizione Universale di Roma de 1942 pero que quedó inacabado. Unas arquitecturas proyectadas con el fin propagandístico de comunicar al mundo la potencia de la Italia mussoliniana y sus ideales, que conjugaban tradición clásica y modernidad al servicio del nuevo régimen. En cada imagen consigue reflejar con gran maestría la severidad de las formas y su grandiosidad, captando al mismo tiempo el vacío y la frialdad de estas construcciones que hoy, destinadas a otros usos o abandonadas, continúan siendo símbolo de un poder efímero que produjo solo destrucción, un mensaje que llega directamente al espectador a través de la mirada crítica de B. Zubero.

 BEGOÑA ZUBERO (Bilbao, 1962)

Residente RAER 2012-2013

Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, se formó como fotógrafa en la School of Visual Arts de Nueva York.

Fascinada por la arquitectura de poder de los regímenes totalitarios europeos del siglo XX, llegó a Roma en 2002, punto de partida de su proyecto “Existenz” (2002-2013). Este proyecto también la llevó a Berlín, Varsovia, concretamente a los campos de concentración de Auschwitz, Birkenau y Majdanek, así como a Moscú y Ereván.

En 2012 regresa a Roma como artista residente en la Real Academia de España en Roma, donde continúa su exploración de la importancia del concepto de memoria a partir del uso ideológico de los espacios arquitectónicos y urbanos. Tras su paso por Italia, los proyectos de los últimos años han girado en torno a temas directamente relacionados con la cultura y la historia reciente de este país.

Ha realizado residencias artísticas en Cosenza y en los Dolomitas, desarrollando en esta última el proyecto “Villaggio Eni”, expuesto en la Altxerri Galería durante la primera Bienal de Arquitectura de San Sebastián y en la Galería de Arte Luis Burgos de Madrid en el marco de PhotoEspaña 2018.

En sus proyectos, desarrolla una fotografía de tesis con una fractura técnica, formal y estética impecable, en la que la documentación y la investigación le han permitido elaborar imágenes de gran calado intelectual.

https://www.bzubero.es/

Spolia (Raptae)

2021

Bordado de hilo blanco s/ lienzo de algodón sobre bastidor de madera

116 x 54 cm (enmarcado)

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Elo Vega

Esta obra forma parte de los trabajos realizados en la Academia y que se agrupan bajo el título genérico de De Sculptura, abordando el tratamiento tanto de la violencia física contra las mujeres como de aquella de orden simbólico ejecutada sobre los cuerpos femeninos a través de diferentes producciones culturales.

El texto del bordado pertenece al Artículo 4 de la Declaración sobre la Eliminación de la Violencia contra las Mujeres de la Asamblea General de las Naciones Unidas (48/104 de 20 de diciembre de 1993) en versión inglesa: “States should condemn violence against women and should not invoke any custom, tradition or religious consideration to avoid their obligations with respect to its elimination.

Traducción en castellano: “Los Estados deben condenar la violencia contra la mujer y no invocar ninguna costumbre, tradición o consideración religiosa para eludir su obligación de procurar eliminarla”.

 ELO VEGA (Huelva, 1967)

RESIDENTE RAER 2020-2021

Artista visual e investigadora, doctora en Investigación en Artes y Humanidades.

Su trabajo aborda cuestiones sociales, políticas y de género desde una perspectiva feminista antipatriarcal, a través de proyectos artísticos (producciones audiovisuales, exposiciones, publicaciones, intervenciones en espacios públicos y trabajos en la red) que son a la vez dispositivos de crítica de la cultura como instrumento político. Concibe la práctica artística como un instrumento de investigación experimental que tiene como objetivo fundamental la producción de pensamiento crítico. Forma parte del proyecto i+D Desnortadas. Territorios del género en la creación artística contemporánea y del Instituto Universitario de Investigación de Género e Igualdad de la Universidad de Málaga IGIUMA.

Ha participado en proyectos de pedagogía colectiva y exposiciones, principalmente en torno a la construcción de la historia, la memoria y las identidades, en numerosas instituciones culturales de Europa y Latinoamérica, como el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla (CAAC), el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria (CAAM), el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), el Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela (CGAC), el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), el Museo ICO, Madrid, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, el Museu Picasso de Barcelona, el Instituto Valenciano de Arte Moderno de Valencia (IVAM), el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), Es Baluard, Museo d´Arte Contemporani de Palma de Mallorca o el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile (MAC).

https://elovega.net/

Comtinuo  

2017

Tinta china s/ cuaderno acordeón, papel de 300 gramos

24 x 16 cm [cerrado]

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Lucía Lainz

<La idea del tiempo. Apremiados por la necesidad de ser vistos en nuestro tiempo empujamos los acontecimientos para llegar a ser protagonistas. Busqué dibujar una línea de pinos romanos, símbolo cultural de la ciudad que se aleja de toda esa urgencia externa. Los árboles permanecen mientras los acontecimientos pasan. Mediante su observación y dibujo, la experiencia tomó distancia de los convulsos acontecimientos.>

ANTONIA SANTOLAYA (Ribafrecha, 1966)

RESIDENTE RAER 2016-2017

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, es dibujante e ilustradora de cuentos e historias para niños, jóvenes y adultos. Posteriormente amplía sus estudios en St. Martins University de Londres.

Comienza en el mundo de la ilustración en el año 2000, después de ganar el premio Apel´les Mestres con Las damas de la luz. Obtiene la mención honorífica de Invenciones 2010 de México y el primer premio en el V Concurso Internacional Álbum Ilustrado de Gran Canaria 2011 con Nada el pensamiento.

Ha compaginado su trabajo personal con el de la edición, lo que le ha brindado la oportunidad de trabajar con editoriales como Anaya, SM, Santillana y Penguin Random House, entre otras. De sus múltiples proyectos, destaca: Del Trastevere al paraíso (2020) Feminismo para principiantes, ilustrado (2018), Winnipeg, el barco de Neruda (2014), Viñetas de vida (2014), El apocalipsis según San Juan (2012) y Bienvenidos a mi país. One, two, three, viva L’Algérie (2020).

Como docente imparte la asignatura de Fundamentos de ilustración en la Universidad UDIT Madrid, además de talleres de creatividad con el dibujo en Pamplona, Murcia y Madrid. Su primera incursión en el mundo del cómic la hace a través del libro y la exposición De ellas, en el 2006, para el Instituto de la Mujer de Murcia.

https://antonia-santolaya.webnode.es/

El tiempo sin derrota

2021

Aguafuerte y tinta sobre cobre

6 x 130 x 60 cm

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Lucia Lainz

Esta obra fue concebida para el espacio del Tempietto di San Pietro in Montorio, partiendo de estos pensamientos:

<Cómo adentrarse en un lugar donde la belleza abruma al visitante por su excelencia artística y por saberse la materialización de la verdad durante siglos. Cómo adentrarse, una se pregunta, para intervenir en ese espacio ‘sagrado’ desde otra reflexión, trayendo otros acentos. Ocupar esa sacralidad no con un mensaje de lectura inmediata, unívoca, sino con escrituras imposibles, ocultas a priori. La ilegibilidad entrevista que se desprende de la negrura del material instalado –una matriz incisa en espejo y entintada de negro en hueco y superficie– fue mi invitación a revocar los lenguajes directivos. En su lugar ofrece un espacio sutil, desconocido, aún por definir.>

SHIRIN SALEHI (Teherán, 1982)

RESIDENTE RAER 2020-2021

Shirin Salehi es artista visual iraní-española que vive en España y Nueva York. Con una obra interdisciplinar que explora medios como el dibujo, la gráfica, la escultura, la imagen en movimiento y los libros de artista, investiga la dimensión poética del lenguaje visual partiendo de ideas como el ocultamiento, la materia borrada y la escritura ilegible.

Emigra a España en 1999 y tras algunos años obtiene la ciudadanía española. Con una primera formación en el campo de las ciencias (es ingeniera técnica de telecomunicaciones), abandona su trabajo en 2009 y comienza su formación artística en la Escuela de Arte y Diseño Artediez en Madrid y se gradúa como técnica de grabado. Ha completado sus estudios en el Centro de Estampa Contemporánea CIEC y el Máster en Arte e Investigación de la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid.

Ha recibido la beca de residencia de la Academia de España en Roma, la Casa de Velázquez en Madrid y la Fondazione Il bisonte en Florencia. Su trabajo ha sido reconocido con el primer premio de la Fundación Ankaria de libros de artista (2015) y el premio bienal Pilar Juncosa y Sotheby’s de la Fundación Miró Mallorca (2019). En 2021 fue nominada para The Queen Sonja Print Award en Noruega.

Imparte talleres de libros de artista en el Center for Book Arts (Nueva York) y de razonamiento poético en la Escuela LENS. Y compagina su práctica con la labor de intérprete y mediadora para solicitantes de asilo iraníes y afganos.

www.shirinsalehi.com

Subversiones domésticas

2019

Vídeo (con sonido)

+ 29’

Obra perteneciente a la colección RAER

Se trata de un vídeo experimental de 29´, realizado en Roma en 2019, en el que a partir de una serie de performances y con las entrevistas realizadas a Silvia Federici y a Mariarosa Dalla Costa, expongo en este proyecto cómo el espacio doméstico ha sido tradicionalmente un ámbito de reclusión de la mujer. Para subvertir esta situación es necesario visibilizar el trabajo que permanece oculto, sacarlo a la luz pública. Silvia Federici y Maria Rosa Dalla Costa son, en este sentido, dos importantes referentes a la hora de señalar que los trabajos de cuidados y mantenimiento desarrollados en el espacio doméstico han sido considerados en nuestra sociedad como algo periférico y marginal.

ESTIBALIZ SÁBADA (Bizkaia,1963)

RESIDENTE RAER 2016-2017 / 2018-2019

Artista y doctora en Bellas Artes por la UPV/EHU, viene desarrollando numerosas actividades artísticas, críticas, editoriales y curatoriales alrededor del cruce entre Arte contemporáneo y Feminismo desde comienzos de los años 90. Ha sido beneficiaria de numerosas becas y ayudas a la producción, entre las que destacan la Beca de la Fundación Arte y Derecho (2019, Madrid), beca y residencia en la fundación Bilbaoarte (2019, Bilbao), beca y residencia en la Academia de España (2016 y 2018, Roma), Beca Multiverso-Fundación BBVA (2017, Madrid), Beca Art I Natura (2017, Lleida), Residencia en La Cité International des Arts (2016, París), así como numerosas ayudas de Eremuak, Gobierno Vasco. Su trabajo ha sido exhibido de forma individual los últimos años en la Fundación BBVA (2019, Madrid), MUSAC (2017, León), Albumarte galería (Roma) y en numerosas muestras colectivas entre las que destacan Centro Centro (2020, Madrid), las exposiciones Processi 144 y Processi 146 (2017 y 2019) en la Academia de España, Roma; Matadero, Madrid (2018), La Panera (2019, Lleida), y exhibiciones de vídeo en numerosos festivales y centros de exhibición de Europa y Latinoamérica. También se ha dedicado a actividades curatoriales, entre las que destacan muestras internacionales videográficas como Reactivando Videografías para la AECID (2020-2022 www.reactivandovideografias.com), o la exposición colectiva Archivos, registros necesarios (Bizkaia Aretoa 2020, Bilbao). Cofundadora del colectivo Erreakzioa-Reacción 1994.

Roma 1974

2017

Vídeo (con sonido)

28’ 01’’

Obra perteneciente a la colección RAER

La beca de la Academia de España en Roma fue la oportunidad para desarrollar un proyecto que la artista tenía en mente desde que heredara una serie de películas en Súper 8 con grabaciones de miembros de la comunidad internacional de artistas e intelectuales que habitaron en el barrio del Trastevere, en Roma, en la década de los setenta.

Las películas las heredó de sus tíos Mercedes Ruibal y Agustín Pérez Bellas, pintores que tuvieron estudio en el Trastevere y que formaron parte de esa comunidad. A través de fotografías de los lugares, textos, entrevistas a diversos personajes, documentos de la época, testimonios y audiovisuales, Beatriz Ruibal trata de recuperar la memoria de esa comunidad formada por poetas, pintores, cineastas…, que jugaron un papel fundamental en la historia y la cultura italianas. Entre ellos, el poeta Rafael Alberti y la escritora María Teresa León, el pintor Carlo Quattruci, el pintor y escultor Alessandro Kokocinski, el cartero Peppe Militello, sus tíos…

BEATRIZ RUIBAL (Pontevedra, 1969)

RESIDENTE RAER 2016-2017

Artista visual. Ha recibido distintos premios por su labor artística como las Ayudas para la promoción del Arte contemporáneo español y Ayuda para la investigación, creación y producción artísticas en el campo de las Artes visuales 2022 y 2020 del Ministerio de Cultura; ha sido finalista a las intervenciones artísticas en los edificios del Consejo Europeo 2023; Ayuda a la creación Audiovisual de la Comunidad de Madrid 2019, y Beca Residencia artística Real Academia de España en Roma 2016-2017, entre otras. Ha publicado MADRE, Varasek, finalista al Mejor Libro de Fotografía del Año PHotoEspaña 2015, The Photobook Exhibition Athens PhotoFestival 2015; The Project Library, Photoireland 2015.

Actualmente se puede ver su trabajo en el Centre Pompidou Málaga y participará como artista invitada en el XIII Encontro de Artistas Novos: #EAN13 – Cidade da Cultura. Su exposición más reciente Caída libre se ha podido ver en el Panteón de los Hombres Ilustres – Patrimonio Nacional, PhotoEspaña 2022 y en la RAER 2022 Tomar la Casa, Sala de Exposiciones del Banco Sabadell en Oviedo, Alnorte 2021. Ha mostrado también su obra en Centros de Arte españoles, como Matadero, PhotoEspaña Real Jardín Botánico, Casa Encendida, Canal de Isabel II, CBA (Madrid), MAC (A Coruña) e internacionales como CCEMiami (Miami), CCMEX (Méjico DF), MNBA y Casa de las Américas (La Habana), Museum of Contemporary Art Ars Aevi (Sarajevo) y numerosos festivales internacionales.

Su obra figura en diferentes colecciones públicas y privadas.

https://www.naveoporto.com/beatriz-ruibal