EL TIEMPO COMPARTIDO – Ciclo en el cine estudio del Círculo de Bellas Artes

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VÍDEO Y FEMINISMO

154 bofetadas

(Jana Leo, 2023, 3’13’’. Ayudante en rodaje: ADOLFO SERRA. Edición: CELINA ALVARADO. Ingeniero de Sonido: SIMON LUND)

Vídeo abofeteándome delante de la cámara 154 veces hasta el agotamiento total. Esta pieza ilustra el sentimiento de frustración. Fue creada en el contexto de la investigación sobre la relación de (des)confianza entre el individuo y el Estado y la reflexión sobre la burocracia, el interminable papeleo y los trámites en línea, que a veces multiplican exponencialmente el proceso en lugar de simplificarlo. En Roma hacia un paseo por la distopía efectiva: en la vida diaria los trámites interminables rayan el absurdo. La vida es real, no un simple tecnicismo.

Oficina

(JANA LEO 2019, 9’44”. Sonido Y Edición: OSCAR VILLASANTE OTXOA. Fotografías: JANA LEO)

¿Qué hago aquí dentro? El exceso de burocracia es un síntoma de la falta de confianza entre el individuo y el Estado. La vida cotidiana está imbuida de burocracia. Su presencia y efecto es mayor cuanto más pobre se es. Un sinfín de trámites que rozan el absurdo. Es la violencia del procedimiento. En el vídeo Oficina, Cristina, que trabaja en el Ayuntamiento en el Departamento de Políticas Laborales y Políticas Turísticas de Roma, nos cuenta un día en su oficina de la Bocca della Verità: «Trabajo cinco días a la semana, siete horas y doce minutos, de 9.30 a 16.42. Mi trabajo consiste en registrar los documentos que me llegan por correo electrónico. Este trabajo lo hago en media hora, como mucho en hora y media. El resto del tiempo lo deambular por los pasillos, pasear, tomar un café, fumar un cigarro, ir al baño… Invento cualquier cosa para pasar el tiempo porque el tiempo nunca pasa».

BIOGRAFÍA

Nacida en Madrid en 1965, vive entre esta ciudad y Nueva York desde 1995. Doctora en Filosofía y Letras, máster en Teoría del Arte y Estética por la UAM, Madrid y máster en Arquitectura por SOA, Princeton, es autora de El viaje sin distancia (Cendeac, 2004) y de Violación Nueva York (Lince, 2011). Fue profesora de Proyectos y de Conceptos avanzados en Arte y Arquitectura en la Universidad Cooper Union en Nueva York durante siete años. En 2008, creó la Fundación MoSis, Modelos y Sistemas; Arte y Ciudad. En 2019, Leo obtuvo la beca de Roma (Real Academia de España en Roma). Leo ha expuesto, entre otros, en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, en ARCO y MNCARS en Madrid. Su obra está en diferentes colecciones públicas incluyendo CA2M, Marco Vigo y EsBaluard.  A nivel temático, Leo trata temas difíciles sin aplicar la habitual patina de corporativismo y frialdad. Su obra se formaliza en libros de artista como Vidas Uxoricidios o Del Campo al Balcón y en piezas audiovisuales entre las que destacan La Herida, Cabina Privada, Retratos, La Jauría y 154 Bofetadas. Leo hace investigación artística mostrando el funcionamiento del patrón y su impacto en los individuos a través de obras de arte que documentan, con imágenes y textos, de forma precisa y sin sentimentalismos, el estado emocional, la parte humana de los datos.

 

SUBVERSIONES DOMÉSTICAS 

Estíbaliz Sádaba Murguía (2020, 29’)

video experimental en el que a partir de una serie de performances y con las entrevistas realizadas a Silvia Federici y Mariarosa Dalla Costa en este proyecto expongo como el espacio doméstico ha sido tradicionalmente un ámbito de reclusión de la mujer. Para subvertir esta situación es necesario visibilizar el trabajo que permanece oculto, sacarlo a la luz pública. Silvia Federici y Maria Rosa dalla Costa son, en este sentido, dos importantes referentes a la hora de señalar que los trabajos de cuidados y mantenimiento desarrollados en el espacio doméstico han sido considerados en nuestra sociedad como algo periférico y marginal.

biografía

Estibaliz Sádaba Murguía es artista y doctora en Arte e Investigación. Ha desarrollado proyectos para diferentes instituciones artísticas en España y otros países europeos. Su trabajo se desenvuelve de forma interdisciplinar entre el comisariado, la mediación y la práctica artística, cuyos proyectos sonoros, audiovisuales y de performance, reflexionan sobre el cruce entre arte contemporáneo y feminismo desde comienzos de los años 90.    Cofundadora del colectivo Erreakzioa-Reacción (1994). Ha participado en exposiciones individuales en espacios como: BienalSur, Centro Muntref Buenos Aires (2023), Espacio Alexandra Santander (2023), , Fundación BBVA (2019, Madrid), MUSAC (2017, León), Subversiones (Galería Albumarte, Roma, 2021), Desdoméstica (Bilbaoarte, Bilbao 2020) y colectivas como: Centro Centro (2020, Madrid), Exposición Procesi 146-144 (2017, 2019), Academia de España, Roma; (Matadero, Madrid, 2018), La Panera (2019, Lleida). Entre sus actividades curatoriales destacan Reactivando Videografías para el AECID (2020-2022) o la exposición colectiva Archivos, registros necesarios (Bizkaia Aretoa 2020, Bilbao). Entre las numerosas becas a la producción, destacan: Beca Fundación MiroMallorca-Casa Velazquez (2024), Beca Juncal Ballestín-Museo Artium (2023), Beca de Videocreación de la Fundación Arte y Derecho (2019, Madrid), Beca y Residencia en la Fundación Bilbaoarte (2019, Bilbao), Beca Academia de España (2016 y 2018, Roma), Beca Multiverso de la Fundación BBVA (2017, Madrid), Residencia en La Cité International des Arts (2016, París).

 Stella a Roma

Itziar Barrio (2021, 19’37’’)

Imaginado como una secuela de «Accattone», la primera película que realizó Pier Paolo Pasolini en 1961, «Stella a Roma» es un cortometraje sobre el trabajo sexual, la identidad de género y el capitalismo. En la película de Pasolini, Stella es una joven ingenua que es persuadida por su novio Accattone, un subproletario que vive el día explotando el trabajo sexual de su propia compañera. Itziar Barrio la hace saltar al futuro, hasta el día de hoy y la pone en conversación con la diosa Venus protectora del amor y las trabajadoras sexuales, y Minerva protectora de la inteligencia y la artesanía. ¿Quién de las dos diosas es la más adecuada para proteger a Stella?. Con ironía y poesía, referencias mitológicas y una buena dosis de sarcasmo, «Stella a Roma» es el manifesto de una libertad basada en los cuerpos, en la fluidez del género y en la emancipación de los roles sentimentales y económicos impuestos por la sociedad.

«Stella a Roma»  forma parte del proyecto LOS PELIGROS DE LA OBEDIENCIA  una película «a tiempo real» en la que no se parte de un guión, sino que «se va haciendo» y bebe de la cultura en la que se desarrolla.  En la ciudad de Nueva York LOS PELIGROS DE LA OBEDIENCIA partió de la icónica escena de «Un tranvía llamado Deseo», en la que Stanley clama «¡Stella, Stella!», mientras que en «Stella a Roma», fue la obra del cineasta Pier Paolo Passolini (1922-1975), la mitología romana y las revueltas obreras del siglo XX quienes le ayudaron a rodar la escena final de la película.

Créditos
Directora: Itziar Barrio
Guionistas: Federica Tuzi y Cristina Vuolo
Directoras actorales: Federica Tuzi y Cristina Vuolo
Actrices: Lola Kola, Lilith Primavera y Ondina Quadri
Editor: Pietro Daviddi
Director de fotografía: Pietro Daviddi
Cámara: Chiara Livia Arrigo
Sonido: Mike Priore
Música Original: Aranzazu Calleja
Diseño de vestuario: Alexandros Mars
Maquillaje: Federica Mosca, Giulia Falaguasta and Alessia Monteriù
Accesorio de cadenas de Venus: Kenneth Ard
Foto Fija: Giorgio Benni and Cristina Vuolo
Producción: Academia de España en Roma
BIOGRAFÍA

La práctica de Itziar Barrio opera en la intersección del arte, el cine y la tecnología, para reescribir narrativas dominantes sobre los contratos sociales, la identidad y la construcción de la realidad, y abriendo horizontes futuros. Sus proyectos multimedia de investigación a largo plazo involucran a diferentes agentes y colaboradores, usan procesos digitales y analógicos, a la vez que exploran las políticas laborales y la propiedad de los medios de producción. Como artista interdisciplinar su trabajo ha sido presentado internacionalmente en la 14th Bienal de Shanghai/Cosmos Cinema, MACRO Museum (Roma), Matadero Madrid, Museo MACBA (Barcelona), Museo de Arte Contemporáneo de Belgrado, Museo del Banco de la República (Bogotá), Abrons Arts Center (NYC), Anthology Films Archives (NYC), Salzburger Kunstverein, Espacio ODEÓN (Bogotá), Academy of Fine Arts in Gdansk (Polonia), tranzit (Rumania), Museo ARTIUM (Vitoria-Gasteiz) y en la Bienal de la Havana Biennial, entre otros. Barrio es parte de la incubadora del New Museum en Nueva York, NEW INC (2020-2023), y ha recibido el premio de la Academia de Roma (2018-2019), así como numerosos premios y becas de instituciones como New York State Council on the Arts Award, Brooklyn Art Council, Ministerio de Cultura de España, o la Fundación BBVA entre otras. Es profesora en Sarah Lawrence College y School of Visual Arts de Nueva York. Su exposición monográfica fue comisariada por Johanna Burton, directora del Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (MOCA),  y su catálogo monográfico será publicado por la editorial SKIRA en 2023.

ARQUITECTURA, MEMORIA Y CIUDAD

Roma 167/62

Carlos Higinio Esteban (2018, 92’)

Durante los años 60 y 70 se abordaron en el entorno de Roma y al amparo de la Ley 167/62 proyectos urbanísticos extraordinariamente ambiciosos en lo que respecta tanto al número de viviendas proyectadas como a la calidad misma de los proyectos.

La suma de factores, ideológicos, proyectuales, políticos y económicos da como resultado obras de gran valor arquitectónico y urbano que sin embargo y en muchos casos antes incluso de su finalización empezarán a mostrar rápidamente situaciones problemáticas especialmente allí donde más énfasis e interés habían depositado sus creadores, esto es en la creación de una nueva sociedad que se beneficiara de una nueva concepción del espacio urbano.

Roma 167/62 explora precisamente la relación entre los planteamientos ejemplares que conducen a la concepción y ejecución de estos desarrollos urbanos y el resultado de los mismos.

BIOGRAFÍA

CARLOS HIGINIO ESTEBAN [CARLOS CARTAMA]
Arquitecto. ETSAM (2003)

https://carloscartama.com/

Multidisciplinar. Interesado en la transformación del paisaje suburbano, en la inserción de lo artificial en lo natural, en los procesos industriales, en los procesos de construcción y destrucción y en definitiva en la relación entre la actividad humana y el medio en el que se desarrolla.

FANTASMAGORÍAS, POLÍTICA Y CIUDAD

ROMA… Vita ´e Notte (Cuaderno de trabajo nº VII)

Isaías Griñolo (2 Film: ROMA… Vita ´e Notte (70´ con sonido); Cuaderno de trabajo nº VII  (70´ sin sonido) 2023)

Roma.. Vita ´e Notte tiene diversas presentaciones, en esta ocasión se muestra junto a los materiales del Cuaderno de trabajo nº VII.

Ensayo fílmico, a la manera de friso, con nueve relatos pensados como collages -desencajados y desarticulados-, cuyo eje central son las palabras que los romanos grafitearon en los muros de su ciudad a medida que el COVID se alejaba. Hablamos de relatos híbridos con los que rastrear, desde el distanciamiento, el dolor y la desesperanza. Las paredes como sismógrafo silente -piel ciudadana escrita desde el anonimato- que recoge de las vibraciones del pasado y del presente de Roma.

Una mirada sobre una ciudad más pendiente de recuperar sus millones de turistas que de la llegada de los nuevos bárbaros. Caminar, con el soneto 12 del Ipocalisse de Nanni Balestrini, mientras se buscan las pintadas que anuncian la llegada de Meloni -con Berlusconi y Salvini de teloneros- y su nuova violenza illustrata.

Frente a la rapidez del “me gusta”, y con la ayuda de las lucciole del Inferno de Dante, se plantea un “mirar ahí” lento. Unas veces fue deriva callejera, otras, afortunadamente, solo alcanzó ser investigación chapucera. El resultado es una obra de memoria sobre una ciudad capaz de resistir, como pocas, los estragos del tiempo.

Roma.. Vita ´e Notte es uno de los trabajos que conforman el proyecto La nueva violencia illustrada, título tomado del último libro que Nanni Balestrini publicó en vida.

BIOGRAFÍA

Artista visual, filmador, investigador y curador. Vive y trabaja entre Sevilla. Formado en el programa UNIA_arteypensamiento de la Universidad Internacional de Andalucía y en el programa Tejidos conjuntivos del Museo Reina Sofía en Museología Crítica, Prácticas Artísticas de Investigación y Estudios Culturales. Es miembro de la PRPC (Plataforma de Reflexión de Políticas Culturales). Trabaja en proyectos intercomunicados para, desde el arte, abordar asuntos desde prácticas antagonistas a través de conexiones de memoria, ecología, economía, poesía y flamenco. 

Entre sus trabajos visuales destaca MEP para la exposición Principio Potosí (Museo Reina Sofía, Madrid) e historia_contemporánea, un proyecto multidisciplinar que, a modo de friso poético-documental se ha presentado en: If I Can’t Dance (Ámsterdam, Holanda), Flares in the Darkroom (Secession, Viena, Austria), On & For Production (Auguste Orts, Bruselas, Bélgica), L`Art de la Rèvolte (Centre Pompidou, Paris, Francia), Actually the Dead Are Not Dead (Assembly Bergen, Noruega) y VASOS COMUNICANTES (MNCARS, Madrid).  

En live cinema realizó, entre 2012-2016, el proyecto Cantes tóxicos de Los Flamencos (con el poeta Antonio Orihuela y el cantaor Niño de Elche). Como filmaker cabe señalar los ensayos fílmicos La España Profunda, AUSCHWITZ ON THE BEACH y ROMA… Vita ´e Notte.

Ha comisariado, junto a Paul B. Preciado, La Noche del Apagón (MACBA). Ha desarrollado artefactos audiovisuales con cantaores y poetas.

TRABAJO, CUERPO Y CIUDAD

Soy el cuerpo extraño que mira: diagramas del infierno contemporáneo

Creación y dirección: Marta Azparren. Música: Óscar G Villegas (Performance audiovisual)

Roberto Rossellini se inspiró en la pensadora Simone Weil para crear el personaje protagonista de su película Europa’51. Irene Girard, realiza un recorrido físico del centro a la periferia de Roma y a la vez un tránsito afectivo, político y espiritual descendente, como siguiendo algún diagrama del Inferno. La protagonista, como la propia Weil, ocupa siempre en cada uno de esos anillos periféricos la posición del “cuerpo extraño”, del fuera de sitio, pero es precisamente esa condición la que le permite ser testigo de los infiernos de la normalidad.

BIOGRAFÍAS

Marta Azparren. Artista visual. Se mueve entre el cine experimental, las artes vivas y el dibujo. Su trabajo propone una metareflexión sobre la actividad artística con especial atención a las conexiones entre el creador, el espectador, la obra de arte y la maquinaria interna de la mediación, la producción y la exhibición. La mirada se dirige además hacia lo no visual en lo visual, el hueco de lo ausente, lo descartado, lo que no sucede.  Licenciada en Bellas Artes, máster en Estudios sobre cine y audiovisual contemporáneo y  becaria residente en la Academia de España en Roma 2022 en la especialidad de cine experimental, su obra ha sido proyectada y premiada en numerosos festivales internacionales de cine y vídeo, exposiciones y ferias de arte. Parte de sus propuestas audiovisuales se dirige hacia el cine expandido, la edición en vivo, el spoken cinema o la videoinstalación. Ha dirigido y co-dirigido algunas piezas escénicas y colabora habitualmente con músicos y artes vivas como performer o VJ. Ha publicado recientemente el ensayo «Cine ciego. Detener el flujo de las imágenes» sobre el cine monocromo y las imágenes sin imagen en la editorial Libros de la Resistencia. Bio completa y filmografía en: https://www.martaazparren.es @martazpa

Óscar García Villegas es Titulado Superior en Dirección de Escena por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. Ha compuesto, grabado y producido la música de más de noventa espectáculos de teatro y danza, trabajando además durante varios años como compositor y creador de contenidos sonoros para el Ministerio de Educación. Así mismo ha trabajado como director de escena en más de una veintena de producciones tanto propias como de diferentes artistas y colectivos. Ha impartido diferentes talleres sobre creación escénica, interpretación, musicalidad y tecnología en lugares como la Universidad Carlos III de Madrid, MediaLab-Prado, CA2M, Teatro de La Laboral o el Master en práctica escénica y cultura visual de la Universidad de Castilla-La Mancha/ Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Bajo los alias de Sr. Curí y Dr. Kurogo, desarrolla su actividad como performer y artista sonoro tanto con trabajos en solitario –presentados en lugares tan dispares como Off Limits (Madrid) o el Teatre Lliure (Barcelona)– como dentro del colectivo Gichi-Gichi Do que fundó en 2004 junto a Luciana Pereyra (alias Niña Jonás).

CRÉDITOS DEL PROYECTO GENERAL «DIARIO DE FÁBRICA»

Testimonios, gestos y entrevistas a:  Antonia Márquez García, Lidia Ortega Blasco, Ester Ortega Blasco, Vincenza Zotti, Luna, Romana Recchia Luciani, Noemí López Larroya, Ohiana García Acín, Juan Francisco Segura, Wissal Bel Hadj, Oubaida Bdiri, Nessrine Chabbah, Noura Essefi, Sana Hammouda, Samiha Lammouri, Instissar Lattoui, Hela Safi, Noura Safi, Alija Soussi. Mujeres de la Cooperativa textil SOBREF en Mahdia (Túnez), Sara Margherita Artemis, Tomás Rabadán, Alberto López Cuenca, Toni Miralda, Santi Eraso, J. Luis Moraza, Maral Kekejian, Cristina Esteras, Sara Braschi, Sofia Sebastianelli, Felipe Martin del Rosario, Daniel Assedu Mobajale, Juan Agustín Nve Oyono Nzang, Jacqueline Lacasa, Rosa Yagüez, Alfredo Puente, Zaida Llamas Álvarez, Virginia Jaua

Con la colaboración especial de Remedios Zafra y Viola Carofalo.

Música DDF: Pablo Martin Jones, Pau Escutia

Equipo Roma/Colleferro/Nápoles: Kottomfilms: Elena Goatelli y Angel Esteban, Elena Iannaccone, Mónica Gutiérrez, Almudena Ramirez-Pantanelli, David Bestué

Equipo Madrid: Cámara: Irene Navascués Cobo. Sonido: Óscar G. Villegas. Producción: Sergio Herrero Serradilla.

Equipo La Puglia: Leire San Martín, Rakele Tombini, Isotta Geraci

Agradecimientos: AAMOD, Museo La Neomudejar, Galería Aldama Fabre, Juan Francisco del Valle, Rakele Tombini, Renzo Rossi, Ana Arranz, ACPP, Fanny Rabadan, Residencia de Estudiantes, Silvia G. Márquez, Sandra Cendal, Emilia González Martín del Río, Ignacio Yuste. 

Y todo el equipo y becarios de la Academia de España en Roma.

PROGRAMA 4 – El tiempo compartido

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PROGRAMA 4

(vierneS,17-21 hrs)

 Grandiosa fantasía

Irene de Andrés (2021, 3´55´´)

La obra de Irene tiene como eje principal la evolución del concepto de ocio a lo largo de la historia y el propio significado del viaje, desde los primeros colonos hasta los tour operators. De Andrés pone especial atención en el siglo XVIII, cuando el mar se convierte en el nuevo objeto de deseo y comienza a gestarse el viaje turístico moderno. Tiempo después, algunos gobiernos otorgarían el derecho a vacaciones pagadas para la clase trabajadora. Es en respuesta a estos fenómenos que se desarrollan arquitecturas específicas como balnearios y cruceros, escenarios clave para la artista, que a través de piezas fílmicas, escultóricas u obra gráfica, conforma viajes a través del tiempo y por distintas aguas, conectando diversos hechos históricos que nos hacen reflexionar sobre el modelo de consumo turístico, el propio significado del viaje y nuestra relación con aquello que llamamos paisaje.

BIOGRAFÍA

Eivissa (Illes Balears), 1986. Vive y trabaja en Madrid. Se graduó en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid (2009) donde hizo un Máster de investigación y producción artística (2010). Ha sido una de las artistas residentes de la Escuela FLORA Ars+Natura de Bogotá (Programa de residencias artísticas AC/E 2016) y del programa The Harbor de Beta Local en San Juan de Puerto Rico (2017). En 2019 fue artista residente dentro del programa para Artistas Visuales del Centro de Residencias Matadero Madrid y ha sido una de las últimas becarias de la Academia de España en Roma en 2021.

Entre las becas y premios que ha recibido destacan el premio Generaciones de la Fundación Montemadrid, Circuitos de Artes Plásticas, el Premio Ciutat de Palma, las Ayudas a la Creación Audiovisual DKV-Es Baluard y las Becas de Creación Audiovisual del Programa Visiona de la Diputación de Huesca. Sus exposiciones individuales más recientes han tenido lugar en la Galería Juan Silió de Madrid, el Espai 13 de la Fundación Joan Miró de Barcelona, y en el Museo Patio Herreriano de Valladolid. El trabajo de Irene también ha podido verse en múltiples muestras colectivas en centros e instituciones como el MuHKA – Museo de Arte Contemporáneo de Amberes, en la Casa Encendida en Madrid, en la Trienal de Frestas de Sorocaba (Brasil), en Es Baluard – Museo de Arte Contemporáneo de Palma de Mallorca, en la galería Copperfield de Londres o en IFA Galerie en Berlín.

 La ciudad de los signos

Samuel Alarcón (2009, 62′ 06″ )

En marzo de 1980, César Alarcón viajó a Pompeya para llevar a cabo un ambicioso proyecto: Recoger psicofonías de la gran erupción del Vesubio que acabó con la ciudad. Tras revisar todas las grabaciones, ninguna de ellas parece contener sonidos procedentes del año 79 d.C. Inesperadamente, en una de las cintas quedó registrada una extraña frase mucho más reciente y que César ya había escuchado en alguna parte.

La ciudad los signos es un viaje a través de la filmografía del cineasta italiano Roberto Rossellini. Su cine fue un estilete que abrió la brecha por la que todo el cine moderno pasaría después. Los espacios que utilizó como localizaciones para sus película aún conservan señales del rodaje. Signos que forman parte de una inmensa ciudad construida a espaldas de los vivos y los muertos.

BIOGRAFÍA

(Madrid, 1980) en cineasta y comunicador. Recibe la residencia de la Real Academia de España en Roma en 2006, con la que realiza su primer largometraje: La ciudad de los signos (2009) Premio del Público Documenta Madrid 2009. Desde 2013 dirige el espacio radiofónico El cine que viene en Radio Nacional de España, en el que analiza películas independientes iberoamericanas junto a sus autores. Oscuro y Lucientes (2018) es su segundo largometraje y aborda el misterio del cráneo de Goya. Estrenado en el Festival de Cine Europeo de Sevilla obtiene el premio al mejor guión del Madrid CreaLab y el Premio Jerry Goldsmith a la mejor banda sonora. En 2020 se incorpora al equipo de Documentos RNE como guionista y diseñador sonoro. En 2020 realiza Déjame hablar, el último retrato del compositor vasco Luis de Pablo que abre la Biennale de Venezia Musica 2020. El Género Chico (2022) es su último largometraje, que revive los años de oro del teatro musical español.

Joven y Carmen

Borja Santomé (2019, 6′ 43″)

Joven y Carmen es un cortometraje de animación experimental que nos sumerge en la vida urbana de Roma y su periferia. A través de una serie de personajes esbozados que vagan por el lado más decadente e industrial de la ciudad, desarrollo un relato personal a medio camino entre lo
autobiográfico y la pura fantasía onírica.
En mi trabajo como cineasta, todo comienza con una imagen o una atmósfera que me obsesiona. A partir de esto desarrollo las escenas dejándome llevar por los personajes, objetos y paisajes como si fueran sonidos o elementos musicales. En muchos casos trabajo sin pararme a pensar
demasiado en la dimensión narrativa de las imágenes, dejando que sean ellas mismas las que hagan surgir metáforas y asociaciones interesantes que siempre acaban por hablar de mis experiencias personales de una forma extraña y confusa. El proceso en general consiste en superponer elementos que considero inquietantes o me interesan por alguna razón, fundiéndolos de una manera más o menos intuitiva, creando imágenes que son el resultado de pintar y borrar, buscando la asociación inesperada de elementos.

BIOGRAFÍA

Se gradúa en Bellas Artes en la Facultad de Pontevedra (2012/16), pasando por la Kingston University de Londres. Sus trabajos de animación experimental y pintura han estado presentes en exposiciones y festivales de cine tanto a nivel español como internacionalmente. En 2016 su cortometraje Rueda Cabeza gana el premio Planeta GZ en el Curtocircuito Festival Internacional de Cine y se proyecta en el BAFICI (Buenos Aires Festival de Cine Independiente). En 2018 su proyecto El Reloj gana el premio al mejor cortometraje de animación en el Festival de Cans y es invitado a participar en el Festival de Cine Europeo de Sevilla entre otros. En 2019 continua realizando proyectos de animación y pintura gracias a una beca de residencia artística en la Real Academia de España en Roma. Durante el 2020
realiza su cortometraje Hijos del Cuerdo en el Colegio de España en París gracias a la beca FormARTE de Artes Plásticas. Su sexto cortometraje Rumbo a Eleusis fue producido gracias al apoyo de la Embajada de España en Francia como parte del proyecto Ventana, participando en eventos como el Clermont-Ferrand International Short Film Festival, la exposición Walking, Running, Falling en la galería L21, o el EXIS Experimental Film and Video Festival de Seúl. Recientemente acaba de terminar su séptimo proyecto de animación titulado Alguén me Chamou Serpe Negra, que fue estrenado en el festival de videoarte PROYECTOR 2023 de la mano de la galería Arniches26 (Madrid) Vive y trabaja en París.

Ana de día

Andrea Jaurrieta (2018, 105′)

¿Qué harías si un día descubres que una doble idéntica a ti, y cuya presencia a nadie parece extrañar, ha ocupado tu lugar? Si todas tus obligaciones, todos tus deberes, están cubiertos por esa otra persona, ¿tratarías de luchar por tu identidad perdida o por lo contrario intentarías buscar tu propia identidad ajena a todo lo que suponía tu vida ‘normal’? Y en ese caso, ¿te llevaría esta decisión a encontrar la felicidad?
Ana es una joven formal, educada en una familia de clase media tradicional. Está a punto de terminar su doctorado en derecho, entrar a formar parte de una empresa y casarse, pero no se siente realizada. Un día, descubre que una doble idéntica a ella ha ocupado su lugar. Dándose cuenta de que por primera vez es totalmente libre, Ana decide explorar su nuevo anonimato y libertad, probando sus límites y buscando el sentido de su propia existencia, entre las noches madrileñas de cabaret y la pensión donde se alojará, repletas de personajes que de algún modo un día también decidieron desaparecer. Sin embargo, la rutina llegará a su nueva vida y una pregunta le atormentará: ¿es posible huir de uno mismo?
Este proyecto empezó a escribirse gracias a la Beca de la Real Academia de España en Roma entre 2010-2011, fue finalmente rodado de manera underground (autoproducido por la propia Andrea Jaurrieta e Iván Luis) en 2016, estrenado en Sección Oficial del Festival de Málaga de 2018 y nominado a Mejor Dirección Novel en los Premios Goya de 2019.

BIOGRAFÍA

Directora, guionista y productora. Su ópera prima, Ana de día (2018), participó en más de 30 festivales nacionales e internacionales ganando 12 premios que culminaron con su nominación a Mejor Dirección Novel en los Premios Goya de 2019 así como en las Medallas CEC (Círculo de Escritores Cinematográficos de España).
Previamente sus cortos fueron seleccionados en múltiples festivales y algunas de sus video creaciones han sido exhibidas en instituciones culturales españolas e internacionales. En 2015 fue meritoria de dirección de Pedro Almodóvar en la película Julieta. Sus proyectos cinematográficos han recibido becas como la de la Real Academia de España en Roma, la Residencia de Estudiantes de Madrid, la Academia de las Artes Cinematográficas de España o el prestigioso Torino Feature Lab.
Es licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid (premio al Mejor Director(a) de su promoción), Máster en Dirección Cinematográfica por la ESCAC y Diplomada en Arte Dramático por el Laboratorio de William Layton. Combina sus proyectos cinematográficos con su trabajo como profesora de Historia del Cine, Interpretación y Dirección en diversas escuelas especializadas y universidades de Madrid. Así mismo ha impartido Master Class de cine en la Sorbona de París, la ECAM, la Universidad Complutense de Madrid o la ESCAC de Barcelona.
Desde 2019 es miembro de la Academia de Cine de España. Actualmente está en plena postproducción de Nina, su segundo largometraje como directora, al mismo tiempo que ha comenzado a producir proyectos ajenos con su productora Lasai Producciones.

 In qualche luogo lontano: Roma

LEIRE VERGARA (2021, 13′ 44»)
Autoría compartida con Usua Argomaniz, Matias Ercole, Giovanni Impellizzieri, Olmopía, Alice Penconi, Cecilia Spetia, Marcela Szurkalo

“Costruiamo una città a dimenisone donna”. Este mensaje inscrito en un banner histórico del Movimiento Feminista Napolitano es el punto de partida de la película In qualche luogo lontano: Roma. Un grupo de mujeres de distintas generaciones portan el banner y atraviesan el salón de actos de la Academia de España en Roma el pasado mes de mayo. La acción da termino a la presentación de las comisarias e investigadoras Giulia Damiani, Sara Giannini y Arnisa Zeqo sobre la producción fílmica y el legado del colectivo Le Nemesiache dentro del programa Space Is The Place/The Place Is Space de Bulegoa z/b. Bruna y Marea integrantes históricas del colectivo ayudan a sujetar la pancarta.

“Una città a dimensione donna” es una imagen utópica, una reivindicación de trasformación política y social del lugar que habitamos en el presente, también una reivindicación de cambio de los modos de vida en el futuro.

La película In qualche luogo lontano: Roma muestra el intento de imaginar este espacio por venir sobre la ciudad de Roma a partir de un proceso de improvisación y experimentación colectivo. El filme es una obra de autoría compartida que indaga en gestos de resistencia del pasado (textos, imágenes, canciones, acciones y luchas colectivas) algunas de ellas invisibilizadas por la historia, para proyectar la urgencia de un cambio en el presente. Pasado, presente y futuro cohabitan en el film, las historias se cruzan, como se enlazan también la imagen y el sonido. El Libro de la ciudad de las damas de Christine Pizan, un alegato utópico de 1405, irrumpe intempestivamente sobre la historia de la fábrica textil Snia Viscosa, una de las mayores fábricas de Italia de seda artificial, abierta en 1922 y cerrada en 1954.

La historia del capitalismo moderno se lee desde la división entre el fordismo y el postfordismo, términos sujetos a la historia de la industria automovilística y su desmantelamiento en occidente. ¿Cómo narrar entonces el término de la industria textil en la que trabajaban principalmente mujeres y que en la ciudad de Roma trajo consigo una de las mayores olas de inmigración estatal en el pasado siglo? ¿qué tipo de paradigma social, político y económico se produjo con el desmantelamiento de la producción textil y posterior externalización fuera de occidente?

In qualche luogo lontano: Roma muestra la necesidad de generar nuevas imágenes que nos ayuden a entender el presente al mismo tiempo que se pregunta cómo cambiar el propio medio fílmico.

El filme está dedicado a los árboles y la vegetación que violentamente fueron dañados en la primavera de 2021 en los terrenos donde todavía se encuentran las ruinas de la fábrica Snia Viscosa.

BIOGRAFÍA

Leire Vergara es doctora en Visual Cultures (Goldsmiths College University of London), comisaria, escritora, docente e integrante de la oficina de arte y conocimiento Bulegoa z/b (Bilbao).  Entre las numerosas exposiciones y ciclos que ha comisariado destacan: In qualche luogo lontano: Roma (Academia de España en Roma, 2021); La pantalla negra o blanca: el poder de ver imágenes juntos (Ca2M, 2016) o Dispositivos del tocar: Imaginación curatorial en los tiempos de las fronteras expandidas (Trankat, Tetuán, 2015). Entre 2005 y 2009 fue comisaria-jefe en la Sala Rekalde y anteriormente codirigió, junto a Peio Aguirre, DAE-Donostiako Arte Ekinbideak, proyecto asociado a Arteleku. Actualmente es profesora en el Dutch Art Institute, University of the Arts (Arnhem). En 2020-2021, recibió la beca MAEC-AECID en la Academia de España en Roma.

  IL LINGUAGGIO DEL CORPO

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Joan Morey (2015, 34′ 20″)

IL LINGUAGGIO DEL CORPO es un proyecto de Joan Morey centrado en la representación del cuerpo humano en la escultura clásica y su transferencia al medio en vivo de la performance. La obra se desarrolló en una performance en tres actos de una hora cada uno concebida para diferentes ubicaciones dentro de y alrededor de la Real Academia de España en Roma. Sin presencia de público, los intérpretes siguieron las instrucciones del artista, ausente en cada ocasión, mientras un equipo de filmación documentaba cada performance. Tanto los intérpretes como el equipo de filmación debían adherirse a un manifiesto en forma de lista. Esta directriz estaba basada en el No Manifesto (1965), en el que la bailarina y coreógrafa Yvonne Rainer reducía la danza a su esencia por la vía negativa: «No al espectáculo. No al virtuosismo.» La obra derivada es un tríptico de vídeo en tres canales sincronizados. En esta ocasión se presenta una versión monocanal de la obra que sigue la cronología: IL LINGUAGGIO DEL CORPO (Berniniana) en el Tempietto del Bramante; IL LINGUAGGIO DEL CORPO (Le Fontane) en las salas de exposición de la academia y IL LINGUAGGIO DEL CORPO (Belvedere) en el salón de los retratos de la academia.

BIOGRAFÍA

(Mallorca, 1972), licenciado y DEA en bellas artes por la Universidad de Barcelona. Durante su trayectoria artística ha producido un extenso conjunto de performances, vídeos, instalaciones y obras sonoras y gráficas que, desde finales de los años noventa, explora la intersección entre teatro, cine, filosofía, sexualidad y subjetividad. Su práctica aúna tres géneros fundamentales del arte contemporáneo: la performance (a través de escenarios que se desarrollan en el tiempo, en las que habitualmente participan cuerpos humanos y el propio público), la apropiación (tomando y reformulando textos, formas y estilos existentes, ya sea de fuentes literarias, clásicas o de la subcultura) y la crítica institucional (con la que examina y aborda las ideologías y el poder de nuestras instituciones sociales, culturales y políticas). Ha realizado proyectos y exposiciones individuales y colectivas en museos, centros de arte, galerías e instituciones públicas y privadas. Destaca el ciclo de exposiciones individuales COLAPSO. Máquina célibe en el Casal Solleric (Palma de Mallorca, 2020); COLAPSO. Máquina de representación en el Claustro de San Agustín. Museo de la Universidad Nacional de Colombia (Bogotá, 2019-2020); COLAPSO. Máquina deseante, máquina de trabajo en el Centro de Arte Contemporáneo de Barcelona – Fabra i Coats (Barcelona, 2018) o la performance site-specific COLAPSO. Máquina esquizofrénica en la antigua prisión celular de Barcelona, la Modelo (Barcelona, 2019). 

 Bacio all’aria

Maral Kekejian (2021, 2′ 57»)

Colaboradores de la pieza: Ronchi Fireworks, Pirotecnias Vulcano y Aleix Tobías. Video: Javi Álvarez.

Cámaras/camaradas: Toni Amengual , Irene de Andrés, Natividad Bermejo, Caterina Borrelli, Gadea Burgaz, Miguel Cabezas, Alan Carrasco, Gonzalo Golpe, Yeyei Gómez, María Luisa Sánchez, Rogelio López Cuenca, Pilar Montero, Virginia Morant, Bartolomé Quesada, Javier Quislant, Pablo Palacio, Carlos Pardo, Stefano di Pietro, Txuspo Poyo, Muriel Romero, Mar Sáez, Shirin Salehi, Marcela Sciaccaluga, Miguel Torres, Elo Vega y Leire Vergara.

Agradecimientos a: Ángeles Albert, Olmo Cuña, Sara García, Cristina Redondo y Angels Viladomiu. Bacio all´aria forma parte del proyecto «»URMA. Espacio público y paisaje contemporáneo en la ciudad de Roma”.

Bacio all´aria es un gesto cultural de amor repetido hacia la ciudad de Roma y sus habitantes. Un gesto poético de reunión visual pero en la distancia física de los cuerpos. Un gesto formal, una llamada pública lanzada al aire para todos desde cualquier lugar de Roma, sabiendo que hoy el elemento aire emite un mensaje virulento por su carácter propagador.

Durante 7 días consecutivos del verano de 2021, desde la Real Academia de España en Roma, situada en la Piazza San Pietro in Montorio, en la colina del Gianicolo, se lanzó una breve secuencia de fuegos artificiales que se repitió cada día a la misma hora.

Bacio all´aria es un proyecto basado en la continuidad y en la repetición, en los efectos en cadena, en el boca a boca entre vecinos para seguir pensando la ciudad como espacio de convivencia y para percibir el espacio público como lugar de construcción social y cultural. Y, como gesto poético, quiso ayudar a mitigar el desasosiego colectivo, el cansancio y la pérdida de nuevos referentes comunes, intentando, con prudencia, entender y practicar la construcción de nuevas tradiciones que acompañen a las viejas.

Esta cita, que se sumó a las acciones conmemorativas de los 150 años de la Real Academia de España en Roma, tuvo la vocación de celebrar el arte de estar juntos en una Roma, como la mayoría de las ciudades del mundo, afectada por la pandemia en 2020 y 2021. Bacio all´aria forma parte del proyecto «URMA. Espacio público y paisaje contemporáneo en la ciudad de Roma”. Un proyecto de Maral Kekejian, creadora y gestora de proyectos culturales, y becaria de la R.A.E.R.

biografía

Actualmente realiza el programa cultural de Presidencia española del Consejo de la Unión Europea dentro del Gabinete de Presidencia de Gobierno, además este año ha sido directora de la representación española en la Cuatrienal de Praga de Escenografía y Espacio Escénico 2021-2023, INAEM, AC/E, AECID, RESAD e Instituto Cervantes. Es Coordinadora del módulo de Artes Escénicas y Música del Master de Gestión Cultural, UC3M de Madrid desde 2020. Comisaria para el Pabellón de España en Dubai de «Soledad. Creación y folclore contemporáneo» para AC/E en 2022 y además ha sido asesora de Artes Escénicas para la convocatoria PICE de AC/E en 2021 y 2022. Fue comisaria de las PICNIC SESSSIONS 2021, CA2M. Fue vocal de Teatro del Consejo Estatal de las Artes 2020-22 (INAEM). Durante cuatro (2016 -2019) fue la directora artística de Veranos de la Villa 2016 – 2019 del Ayto. Madrid. También directora artística de la campaña de Navidad / Cabalgata de Reyes de Ayto. Madrid (2015 – 2016). Además, fue directora del Área de Artes Escénicas en La Casa Encendida, Madrid, 2005-2014. Llevó la subdirección del Teatro Pradillo entre 2001-2005. Es licenciada en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid.

 

OBRAS EN PANTALLA

UN DÍA DE LABOR

TXUSPO POYO (20′ 53″, 2021)

Un día de labor es una grabación audiovisual que muestra varios hormigueros en la Vila Pamphilj en donde las hormigas transportan los nombres de los residentes de la promoción 2020-2021 de la Real Academia de Roma hasta el interior de sus hormigueros (nombres de los residentes de la promoción 2020-2021: Andrés, Irene de; Amengual, Toni; Bermejo, Natividad; Burgaz, Gadea; Carrasco, Alán de Andrés, Irene; García, Sara; Golpe, Gonzalo; Kekejian, Maral; Gómez, Yeyei; Morales, Cristina; Morant, Virginia; Pardo, Carlos; Poyo, Txuspo; Quislant, Javier; Romero, Muriel; Sáez, María Del Mar  Salehi, Shirin; Torres, Miguel de; Vega, Elo; Vergara, Leire y Viladomiu, Mª Ángels. 

BIOGRAFÍA

Desde los años 90, Txuspo Poyo ha seguido una cierta metodología procesal, con un sentido muy marcado del montaje, para trazar historias yuxtapuestas a partir de la investigación y análisis de ciertos acontecimientos generacionales en cruces híbridos. Estos van desde la serie de celuloides donde de construía películas para ejecutar tejidos con la imagen fílmica, al uso de la cámara Pixel visión como dispositivo de juguete pre-tecnológico; su objetivo, realizar un estudio documental sobre lo relacional en el comportamiento moral, de género, social y psíquico de los dibujos animados en la cultura occidental. Todas estas propuestas han ido generando relatos cuya tensión reside en imágenes cruzadas, tramas donde confluyen residuos históricos e inconclusos, junto a fragmentos del imaginario cultural tanto colectivo como individual, capturados de la historia, el mundo del cine, la arquitectura y la literatura de ciencia-ficción. Sus obras aportan una relectura de modos y modelos de producción y representación. https://txuspo-poyo.com

CIRCULAR

MANUEL SÁIZ (2009, 1′ 57″)

Manuel Saiz empezó a trabajar como artista en los primeros años 80. En 1989 representó a España en la Bienal de Sao Paulo con un grupo de esculturas y en 1990 tomó parte en Artificial Nature comisariada por Jeffrey Deitch en la Deste Foundation en Atenas.

Desde 1995 trabaja en video arte e instalaciones multimedia. En 1998 produjo Video Hacking, que recibió varios premios en festivales y que ha sido mostrado en multitud de programas nacionales e internacionales. En 2005 produjo Specialized Technicians Required: Being Luis Porcar, que consiguió el primer premio del Winterthur Kurtztfilm Festival y una mención honorifica en Transmediale06 (Berlín) y que se mostró en salas como el ICA de Londres o Intercommunication Center de Tokio. Otros trabajos han sido expuestos en Whitechappel gallery (Londres), Impakt Festival (Utrecht), el Museum of the Moving Image NYC, Matadero Madrid, London FF, Rotterdam FF, entre otros muchos.

En 2013 realizó su proyecto One True Art dentro del programa Fisuras del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia de Madrid.

Ha comisariado proyectos de artista como Art Summer University (Tate Modern Londres), 25hrs (El Raval Barcelona) o videoDictionary (La Casa Encendida).

Ha publicado libros de artista y de teoría del arte, entre ellos recientemente El arte y el resto (Ed. Asimétricas) y Libro (Ed. Narrow Mind). En 2019 ganó el premio de ensayo Ciudad de Valencia con La resistible expansión del universo irónico (Ed. Pretextos).