REAL ACADEMIA DE ESPAÑA EN ROMA

PROCESSI 148│EXPOSICIÓN FINAL DE LOS ARTISTAS E INVESTIGADORES EN RESIDENCIA PROMOCIÓN 2020/2021

Desde el 7 de octubre de 2021 hasta el 15 de enero 2022

PROYECTO

SPACE IS THE PLACE/THE PLACE IS SPACE

In qualche luogo lontano: Roma

“Me interesa lo imposible, porque lo posible ya está hecho y no ha cambiado nada.” (Sun Ra)

En 1977, Sun Ra aterrizó en la Tierra, en Italia, con la intención de llevar a cabo una misión especial en Roma: teletransportar gente de la ciudad a otro planeta a través de la música. Para ello, trajo consigo unos cuantos fieles entre los que se incluyeron al baterista Lugman Ali y al cantante Thomas Thaddeus alias Eddie Thomas. El evento se grabó en cinta y no fue hasta 2015 que Record Store Day lo publicó en un doble álbum titulado In Some Far Place: Roma ‘77. Entre las canciones grabadas y recopiladas se incluye Space is The Place. 

In qualche luogo lontano: Roma es el título del programa que se ha desarrollado en Roma dentro del proyecto de investigación de Bulegoa z/b Space is the Place/The Place is Space que tiene como objetivo analizar el papel del arte como práctica crítica que ofrece herramientas para parar, mirar y situarse en el mundo, para generar situaciones e imaginar modos de vivir y producir espacio. Estructurado a través de encuentros periódicos, ha tomado diversas formas, como presentaciones, proyecciones, conferencias, paseos, acciones sobre el territorio y diferentes producciones artísticas. 

In qualche luogo lontano: Roma parte de la ciudad de Roma como “lugar” desde donde prestar atención y detenerse sobre algunos gestos de resistencia del pasado que aún hoy atraviesan el presente y se proyectan hacia el futuro. A través de la creación de un grupo de estudio que ha permanecido activo desde mayo hasta octubre de 2021, el programa se ha desplegado a partir de las contribuciones de un conjunto de invitados/as: artistas, comisarias, autores/as, cineastas, arquitectos/as, historiadores/as y pensadores/as con una vinculación previa, continuada o imaginada con la ciudad de Roma.  

Los/as invitados/as han sido: Giulia Crispiani, Patrizia Rotonda, Sara Benaglia, Arnisa Zeqo, Giulia Damiani, Sara Giannini, Miren Jaio, Susana Talayero, Silvano Agosti, Liryc DeLa Cruz, Giovanna Zapperi, Stalker, Alvin Curran y William (Bill) Dougherty.

En la exposición Processi 148, se incluyen materiales de registro del programa de actividades y el guion de una película filmada en super 8 y realizada por el grupo de estudio a modo de conclusión del proceso colectivo. 

La película In qualche luogo lontano: Roma (2021) es una obra de autoría compartida entre Usua Argomaniz, Matias Ercole, Giovanni Impellizzieri, Olmopía, Alice Penconi, Cecilia Spetia, Marcela Szurkalo y Leire Vergara. Su estreno tendrá lugar el día viernes 15 de octubre de 2021 en Teatro Cantiere, Via Gustavo Modena 92, 00153 Roma.

In qualche luogo lontano: Roma (2021)

“Costruiamo una città a dimenisone donna”. Este mensaje inscrito en un banner histórico del Movimiento Feminista Napolitano es el punto de partida de la película In qualche luogo lontano: Roma. Un grupo de mujeres de distintas generaciones portan el banner y atraviesan el salón de actos de la Academia de España en Roma el pasado mes de mayo. La acción da termino a la presentación de las comisarias e investigadoras Giulia Damiani, Sara Giannini y Arnisa Zeqo sobre la producción fílmica y el legado del colectivo Le Nemesiache dentro del programa Space Is The Place/The Place Is Space de Bulegoa z/b. Bruna y Marea integrantes históricas del colectivo ayudan a sujetar la pancarta. 

“Una città a dimensione donna” es una imagen utópica, una reivindicación de trasformación política y social del lugar que habitamos en el presente, también una reivindicación de cambio de los modos de vida en el futuro. 

La película In qualche luogo lontano: Roma muestra el intento de imaginar este espacio por venir sobre la ciudad de Roma a partir de un proceso de improvisación y experimentación colectivo. El filme es una obra de autoría compartida que indaga en gestos de resistencia del pasado (textos, imágenes, canciones, acciones y luchas colectivas) algunas de ellas invisibilizadas por la historia, para proyectar la urgencia de un cambio en el presente. Pasado, presente y futuro cohabitan en el film, las historias se cruzan, como se enlazan también la imagen y el sonido. El Libro de la ciudad de las damas de Christine Pizan, un alegato utópico de 1405, irrumpe intempestivamente sobre la historia de la fábrica textil Snia Viscosa, una de las mayores fábricas de Italia de seda artificial, abierta en 1922 y cerrada en 1954.

La historia del capitalismo moderno se lee desde la división entre el fordismo y el postfordismo, términos sujetos a la historia de la industria automovilística y su desmantelamiento en occidente. ¿Cómo narrar entonces el término de la industria textil en la que trabajaban principalmente mujeres y que en la ciudad de Roma trajo consigo una de las mayores olas de inmigración estatal en el pasado siglo? ¿qué tipo de paradigma social, político y económico se produjo con el desmantelamiento de la producción textil y posterior externalización fuera de occidente? 

In qualche luogo lontano: Roma muestra la necesidad de generar nuevas imágenes que nos ayuden a entender el presente al mismo tiempo que se pregunta cómo cambiar el propio medio fílmico. 

DIRECCIÓN, FOTOGRAFÍA, SONIDO, CÁMARA, MONTAJE, INTERPRETACIÓN, COREOGRAFÍA, ESCENOGRAFÍA/ REGIA, FOTOGRAFIA, SUONO, CAMERA, MONTAGGIO, PERFORMANCE, COREOGRAFIA, SCENOGRAFIA: Usua Argomaniz, Matias Ercole, Giovanni Impellizzieri, Olmopía, Alice Penconi, Cecilia Spetia, Marcela Szurkalo, Leire Vergara

BIOGRAFÍA

LEIRE VERGARA

Es comisaria independiente, doctora por Goldsmiths College University of London e integrante de Bulegoa z/b. Ha comisariado numerosos ciclos y exposiciones. Entre otros: Las imágenes recurrentes. Sobre las condiciones materiales de su retorno (con Pablo Martínez), MACBA, Barcelona (2017), La pantalla negra o blanca: el poder de ver imágenes juntos XXIII Jornadas de la Imagen CA2M, Madrid (2016), Jose Mari Zabala Écfrasis. Bideolanak 1986-2016, CarrerasMugica, Bilbao (2016), Dispositivos del tocar: Imaginación curatorial en los tiempos de las fronteras expandidas, Trankat, Tetuán (2015). De 2009 a 2005, trabajó como comisaria-jefe en Sala Rekalde. De 2002 a 2005 fue co-directora de DAE- Donostiako Arte Ekinbideak (con Peio Aguirre), proyecto asociado a Arteleku. Desde 2016, imparte el curso Curating Positions en el Máster de Arte del Dutch Art Institute, ArtEZ University of the Arts, Arnhem.

Bulegoa z/b es una oficina de arte y conocimiento fundada en 2010 y ubicada en el barrio bilbaíno de Solokoetxe. Es un lugar de cruce entre la práctica y la teoría centrado en la producción, la discusión, el intercambio de ideas y la materialización de proyectos artísticos. Forman parte de Bulegoa z/b Beatriz Cavia, Miren Jaio y Leire Vergara. Silvia Coppola es asistente de producción.

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Desde el 7 de octubre de 2021 hasta el 15 de enero 2022

PROYECTO

De Sculptura

 Se toma este título del tratado renacentista De sculptura, publicado en 1504. Su autor, Pomponio Gaurico, comenta en él que “en la antigua Roma el pueblo imaginario de las estatuas (populus fictus) igualaba al de las personas vivas”. En la actualidad, a ese pueblo imaginario de las imágenes hay que sumar las que habitan los más o menos nuevos media, donde su número multiplica infinitamente al de los habitantes del planeta ¿No es mediante su omnipresencia desde la que se lleva a cabo la función ejemplarizante que cumplían las estatuas? ¿Hasta qué punto en esta iconografía pervive y se difunde –a la vez que evoluciona y se transforma – el discurso patriarcal que exige la subalternización de las mujeres, el papel accesorio de su imagen, su inferiorización, su sometimiento? 

Mientras, aquellas estatuas se contemplan hoy, con devoción, en el interior de los museos y sus infinitas réplicas son consumidas como souvenirs. Recuerdos. Recordatorios. Ingenuos artefactos que imperceptiblemente pero sin descanso emiten una advertencia, una amenaza dirigida a todas las mujeres: ser objeto de violencia no es un acontecimiento excepcional sino una parte esencial de la base del orden social.

La expresión de sculptura (sobre la escultura, acerca de la escultura), a los ojos, a los oídos de hablantes de castellano puede sugerir la idea de descultura, de desescultura, de una escultura trastocada, vuelta del revés. Igualmente, en italiano, el verbo esculpir es scolpire. Colpire significa golpear. Un juego de palabras nos permite leer la “s” inicial como una partícula privativa, similar a nuestro prefijo “des”, invirtiendo así su significado: des-golpear. Nuestro trabajo de relectura crítica de la escultura, de las mitologías de la figura escultural y de sus mutaciones en la cultura consumista, busca identificar las veladuras, los eufemismos, los camuflajes de esa violencia históricamente enfrentada por  las mujeres durante milenios, para visualizarla, neutralizarla, revertirla, deshacerla. 

OBRAS

Spolia (Raptae)

Material: Souvenirs (resina y mármol), vidrio y bordados sobre algodón.

Dimensiones: variables, bastidor 116 x 54 cm.

El arte y la cultura han constituido históricamente una poderosa y sutil herramienta de legitimación de la violencia misógina. Las obras maestras de la escultura clásica contribuyen, mediante su prestigio artístico, a invisibilizar la brutalidad de los hechos que representan: hombres que raptan, violan y mutilan a mujeres.

Spolia (Captae)

Material: Souvenirs (resina y mármol), vidrio y bordados sobre algodón.

Dimensiones: variables, bastidores: 116 x 54 cm y 116 x 46 cm.

Las grandes obras de arte (y sus reproducciones comerciales en forma de souvenir) representan un mecanismo ideal para la difusión del mandato de obligatoria belleza que la mirada masculina espera de las mujeres. La feminidad que el patriarcado ordena no solo exige apariencia de eterna juventud, sino obediencia y silencio.

S Colpire 

Soporte: Libro de artista, 250 ejemplares numerados (144 pp)

Dimensiones: 16,5 x 21 cm.

El objetivo de la selección de imágenes recogidas en este ensayo visual se sintetiza en su título: S-colpire es un juego de palabras que descubre, en el interior del verbo scolpire (esculpir), la palabra colpire (golpear). Se trata de una relectura crítica del imaginario femenino, que busca des-golpear: desmontar, revertir, deshacer esa violencia.

Filo rosso #1

Material: papel Hahnemühle 

Técnica: Impresión digital y serigrafía 

Dimensiones: 110 x 85 cm (son dos) 

Filo rosso #3

Material: serigrafía papel Hahnemühle 

Técnica: Impresión digital y serigrafía 

Dimensiones: 110 x 85 cm (son dos) 

Las dos piezas pertenecientes a la serie titulada Filo rosso (hilo rojo) señalan cómo la violencia simbólica contra las mujeres que se muestra y expande a través de la estatuaria clásica pervive y se manifiesta en expresiones culturales contemporáneas, como los medios de masas y la publicidad comercial.

BIOGRAFÍA

ELO VEGA

Artista visual e investigadora, doctora en Investigación en Artes y Humanidades. Ha realizado estancias académicas internacionales en l´Ecole de Beaux-Arts de Nantes; la Facultad de Filosofía y Letras en la Benemérita Universidad de Puebla; Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Autónoma de Baja California; y en el Programa de Estudios de Género de la Universidad Nacional Autónoma de México.

Su trabajo aborda cuestiones sociales, políticas y de género desde una perspectiva feminista antipatriarcal, a través de proyectos artísticos que son a la vez dispositivos de crítica de la cultura como instrumento político: producciones audiovisuales, exposiciones, publicaciones, intervenciones en espacios públicos, trabajos en la red, cursos y talleres que abordan los procesos de generación y reproducción de ideología y construcción de identidad.

Ha participado en proyectos de pedagogía colectiva y exposiciones, principalmente en torno a la construcción de la historia, la memoria y las identidades, en numerosas instituciones culturales de Europa y Latinoamérica, entre ellas, el CAAC (Sevilla), CAAM (Las Palmas de Gran Canaria), CCCB (Barcelona), CGAC (Santiago de Compostela), MACBA (Barcelona), Museo ICO (Madrid), MNCARS (Madrid), Museu Picasso (Barcelona), IVAM (Valencia), MUSAC (León), Es Baluard (Palma de Mallorca) o el MAC de Santiago de Chile.

www.elovega.net

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Desde el 7 de octubre de 2021 hasta el 15 de enero 2022

PROYECTO

TERZA VITA

Terza Vita capta las experiencias afectivas de un territorio más allá de una idea general de la ciudad pandémica. Por un lado, la fotografía reacciona ante la singularidad de este periodo, pero una lectura profunda del “estado de excepción” no solo involucra este presente de pandemia, sino a la misma forma de relacionarnos en las ciudades del siglo XXI, a nuestro mapa de los afectos. De este modo, la primera pregunta surge de un modo casi natural: cómo conviven los habitantes de una ciudad que limita sus movimientos, cierra sus locales, restaurantes, museos… O mejor dicho: ¿qué es la libertad?

En un primer impulso, Terza vita estudia este concepto de libertad en un sentido amplio y coral, incluso paradójico. Para ello, combina la fotografía con el documento, grabaciones de vídeo y entrevistas de audio, y destaca aquellos momentos en los que la vida bajo la amenaza del Covid rompe nuestras ideas preconcebidas: los protagonistas de estas fotografías, de diferentes edades, orígenes o estratos sociales, muestran una misma pulsión a pesar del importante cambio de nuestro contexto. La libertad segrega una carga profunda, una fuerza arraigada en la propia sensualidad del ser humano, y perfectamente encarnada en la ciudad de Roma: un ejercicio de seducción y de celebración de la fugacidad, un apetito de vida.

Finalmente, este apetito entendido como una defensa de la existencia termina con un pacto que cierra el círculo de Terza vita: el amor. Quizá una nueva servidumbre, voluntaria, pero abierta a todas las posibilidades. En la playa de Ostia las fotografías captan el instante en el que se da la promesa de un futuro: parejas de diversas edades y en diferentes momentos de su historia personal desde una intimidad invasiva y cómplice. Invasiva porque los retratos de Terza vita pretenden ser permeables a la intimidad de los retratados. Por ello es importante el lugar desde el que colocar la cámara. No tanto en sentido técnico, como si fuera una simple cuestión de distancia o altura “objetiva”, sino de temperatura ética: la cámara se sitúa en el mismo nivel del fotografiado para recibirlo sin juzgarlo; antes bien, permitiéndole desplegar toda su cercanía. 

Tanto en el análisis de la noción de libertad como en los juegos de la seducción o los pactos del amor, Terza vita estudia un elemento principal de esta convivencia activa: la promesa de futuro. Una celebración de esa vida tan ajena a la nostalgia de un pasado estable como al shock del presente y que surge incluso en las condiciones más adversas.

OBRAS

Vídeo (entrada de la academia) 

Sin título. Obra perteneciente al proyecto Terza vita.

En la playa de Ostia Mar Sáez se dedicó a observar a parejas de distintas edades atravesadas por el deseo.

Pieza sonora (habitación)

Sin título. Obra perteneciente al proyecto Terza vita. 

Pieza que recoge las entrevistas de Mar Sáez a distintos ciudadanos y ciudadanas durante su estancia en Roma. La pieza se completa con un cuaderno que recoge voces como las de Franca, de 90 años, que recuerda a su padre fascista y expresa su preocupación por un hijo desempleado de 53 años a su cargo; o Marta, de 33, que analiza la inseguridad consustancial a ser mujer en Roma; o Abbas, de 41 años, que lamenta el desamparo que sufren los migrantes refugiados… 

Serie fotográfica (primera planta)

Terza vita. Retrato de un territorio vivo.

BIOGRAFÍA

MAR SÁEZ

Murcia, 1983. Licenciada en Psicología y Comunicación Audiovisual por la Universidad de Valencia. Su fotografía se ha mostrado en The Gabarron Foundation de Nueva York, la Galería Retine Argentique de Marsella y F22 Foto Space de Hong Kong. También en festivales como KLAP Maison pour la Danse de Marsella, Arlés, GuatePhoto de Guatemala o ferias como Paris Photo, London Art Fair, ARCO y Estampa. Ganadora de la Beca de Artes Plásticas de la Región de Murcia, ha sido galardonada durante dos años con el Premio LUX de la Asociación de Fotógrafos Profesionales de España (AFPE), seleccionada en Festivales como Scan de Tarragona, Albarracín y Futures 2020 propuesta por PHotoEspaña, entre otros.

Es autora de los fotolibros Vera y Victoria (2016) y Gabriel (2018), publicados por la editorial francesa André Frère Éditions. Su obra está presente en colecciones públicas y privadas en Europa, Asia y EEUU. Como artista está representada por la galería Daniel Cuevas en Madrid y Fifty Dots en Barcelona.

www.marsaez.com

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PROYECTO

verba volant

“Verba Volant” es parte del proyecto “La Distancia”, una investigación sobre el lenguaje visual que estoy desarrollando en la Academia de España en Roma. Verba Volant propone una experiencia de lectura diferente, física e intuitiva, que haga del lector un sujeto activo que se desplaza con el cuerpo al tiempo que con la mente, los ojos y las emociones.

Dispuestas sobre las paredes de un cubo de papel de grandes dimensiones, decenas de fotografías son secuenciadas como una sinfonía visual que se sirve de los pájaros como hilo conductor en un viaje a través del tiempo y del espacio. De Nueva York a Babilonia; del lenguaje tratado como una ciencia a una tablilla cuneiforme que parece escrita por un pájaro; de la gramática universal de Chomsky a la teoría de la selección natural de Darwin; del lenguaje entendido como arma a la lengua materna: nuestra primera lengua, la más cercana, aquella que configura nuestro cerebro creando un vínculo entre el pensamiento y la palabra que con los años será igual de importante que el de la sangre.

OBRA

El proyecto que Gonzalo Golpe presenta en Processi 148 consiste en un cubo construido con madera y papel ignífugo. En su interior el autor desarrolla una ficción poética acerca del origen del lenguaje y la evolución del inglés hacia una unilengua. En su interior decenas de fotografías son dispuestas como notaciones visuales. El dispositivo funciona como un libro visual que invita al lector a entrar en él. Una de las paredes funciona como una puerta, que debe ser cerrada cuando el lector entre en él. El cubo cuenta con iluminación interior, pero se recomienda hacer uso de una linterna como fuente de luz complementaria. La linterna está junto a la cartela de la obra y cuenta con dos funciones: una luz focal y otra bañadora. Así mismo, se recomienda descalzarse para entrar al cubo. La lectura debe realizarse en solitario y con la puerta cerrada.

BIOGRAFÍA

GONZALO GOLPE

Madrid, 1975. Editor independiente y profesor. Licenciado en Filología Hispánica y diplomado en Edición y Publicación de Textos por la Universidad de Deusto. Especialista en autoedición y producción gráfica.

Desde 2014 forma parte de La Troupe, un colectivo de profesionales de las artes gráficas dedicado al trabajo de autor, tanto en su vertiente editorial como expositiva. Interesado por la autopublicación y la narrativa fotográfica, su trabajo se ha desarrollado fundamentalmente en el mundo del libro de arte, trabajando de forma indistinta para fundaciones, museos, editoriales o directamente para el autor. Como editor no se limita a trabajar en libros, también ha participado en el desarrollo de aplicaciones digitales, webs de autor y comisariado proyectos expositivos. Es profesor en diferentes escuelas, donde imparte materias relacionadas con el lenguaje visual, la dirección de proyecto y la edición y publicación de fotolibros. Coautor del ensayo poético “Curso y Discurso”, publicado en 2020 por Cabeza de Chorlito (España) y en 2021 por SED Editorial (Argentina).

Su trabajo se puede consultar en:

www.formalenta.com/  www.la-troupe.com/

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Desde el 7 de octubre de 2021 hasta el 15 de enero 2022

PROYECTO

Risonanze Occulte

El proyecto surge a partir de una investigación trans-disciplinar que combina danza con modelos computacionales destinados a apoyar y expandir el estudio sistemático del movimiento expresivo. 

Mediante técnicas de captura de movimiento, machine learning, sonificación interactiva y técnicas de digitalización que permiten enriquecer, analizar, almacenar, documentar y acceder a gestos y aspectos expresivos del movimiento. 

Uno de los aspectos centrales de este proyecto, reside en el uso de esta tecnología interactiva como un medio para expandir el movimiento corporal a otros medios de expresión artística. 

Esto permite, por ejemplo, comunicar a través de la sonificación o visualización aspectos expresivos de la danza que habitualmente quedan ocultos al observador externo, ofreciendo la oportunidad de traducir a otra modalidad sensorial las cualidades de movimiento hipnóticas presentes en las obras maestras que inspiran este proyecto. ¿Cómo sonarían las cualidades de movimiento que percibimos en la obra escultórica de Bernini, por ejemplo la fluidez-rigidez del Apolo y Dafne, la tensión postural del Rapto de Proserpina o la fragilidad en el Éxtasis de la Beata Ludovica Albertoni?. 

El objetivo final de este proyecto es integrar estos elementos en una obra con tres formatos distintos, cinematrográfico, escénico y museístico que sirva como una forma de diseminación artística de esta investigación. Una obra que establece un puente entre obras maestras de las artes visuales, la inteligencia artificial, la música y la experiencia concreta del cuerpo. 

OBRA

dĭēs

Un momento no existe en el tiempo, es una fracción artificial extrapolada de un continuo inaprensible.

El arte pretende captar esos momentos y, por tanto, como en la creación de una escultura, nos recuerda que había una vida y, por lo tanto, también representa la muerte. Dĭēs es una película que combina danza, música y escultura en el Tempietto del Bramante, un templo que constituye una obra maestra del Renacimiento en Roma. Entrar en un templo es cruzar un umbral que simboliza el paso de lo conocido lo

desconocido, de la luz de la conciencia a la oscuridad del inconsciente, una dimensión atemporal en

donde residen las fuerzas dinámicas y creativas del individuo.

BIOGRAFÍA

MURIEL ROMERO

Es bailarina y coreógrafa. Su trabajo se centra en el desarrollo de técnicas coreográficas generativas, incorporando en su lenguaje abstracciones tomadas de otras disciplinas como la música, matemática e inteligencia artificial. Ha obtenido diversos premios internacionales tales como los premios del público y de la crítica en Moscow International Ballet Competition, Prix de la Fondation de Paris en Prix de Lausanne y 1o Premio de Danza Ciudad de Barcelona. Ha sido primera solista de prestigiosas compañías entre las que se cuentan Deutsche Oper Berlin, Dresden Semper Oper Ballet, Bayerisches Staatsballet Munchen, Gran Théatre de Genéve o Compañía Nacional de Danza. En su andadura ha trabajado con destacados coreógrafos de nuestro tiempo como W. Forsythe, J.Kylian, Nacho Duato, Ohad Naharin, Saburo Teshigawara y Cisco Aznar. En 2008 funda Instituto Stocos junto al compositor Pablo Palacio, un proyecto basado en el análisis y el desarrollo de la interacción entre gesto corporal, sonido e imaginería visual. Con este proyecto ha producido una serie de trabajos escénicos que funcionan como una forma de diseminación artística de su investigación, la cual ha sido apoyada por la Unión Europea tanto en programas de Cultura como Industria Comunicación y Tecnología dentro del programa Horizonte 2020. 

www.stocos.com

CRÉDITOS

Un proyecto de Muriel Romero para la Real Academia de España en Roma. Esta película es parte del proyecto Risonanze Occulte que incluye además una perfomance con sonificación interactiva, captura de movimiento, inteligencia artificial y esta película.

Director: Stefano Di Prieto

Guión: Stefano Di Prieto, Pablo Palacio y Muriel Romero

Producción. Real Academia de España en Roma &Instituto Stocos

Coreografía : Muriel Romero

Performers. Teresa Garzón, Alicia Narejos, Muriel Romero

Composición musical. Pablo Palacio

DOP: Giulio Bottini

Editor. Daniel Rodrigues Correia

Gaffer/Assistente de producción : Marco Rivolta

Drone : Stefano Di Prieto

Diseño de vestuario. Buj Studio

Peluqiería y Maquillaje: Raimondo Santiprosperi

Fotorgrafía backstage: Marcela Sciaccaluga

Producción: Espectare

Composición Interactiva, Mix y Mastering Pablo Palacio

La música de la pelicula es completamente sintética, combina composición electroacústica y sonificación interactiva del movimiento, gracias a un sistema de sensores especialmente diseñados para este proyecto que traslada los movimientos de los perfomers en sonido en tiempo real.

dĭēs ha sido filmada en el interior de la Real Academia de España en Roma que apoyo plenamente la residencia artística de Muriel Romero que permitió el desarrollo del proyecto Risonaze Occulte.