brais rodríguez, still life

REAL ACADEMIA DE ESPAÑA EN ROMA

PROCESSI 149 | EXPOSICIÓN FINAL DE LOS ARTISTAS e investigadores en residencia, PROMOCIÓN 2021/2022

Del 15 de septiembre al 27 de noviembre

Orden de lectura de la obra

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Ficha técnica

Still Life

2022

Serigrafía sobre papel

418cm  x  288cm

Esta pieza está compuesta por cien láminas realizadas en serigrafía. A través de ellas se desarrolla una secuencia de imágenes, en tinta roja, que describen una progresión secuencial de un rostro. El sentido de la lectura comienza en la esquina superior izquierda y prosigue en un ritmo de espiral, para acabar en el centro de la composición.

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STILL LIFE, eL PROYECTO

Este proyecto consiste en la realización de un cómic mudo con el objetivo de explorar e investigar los recursos de la imagen y el tiempo en este medio y las posibilidades narrativas que pueden ofrecer la viñeta, la secuencia y la elipsis.

El término inglés Still life es usado para designar el género pictórico de la naturaleza muerta. Esta disciplina pictórica barroca materializó la tensión que puede provocar la imagen al detener el paso del tiempo y su decadencia sobre los objetos y las personas. En el cómic, la viñeta como elemento individual encarna esta posibilidad de imagen instantánea. Frente a esta lectura, la narración visual dota de temporalidad a las imágenes a través de la secuencia lógica de sucesos. Es mediante la elipsis, el espacio imaginario entre las viñetas, el modo cómo se completa el relato.

Con el fin de trasladar esta concepción al plano formal, Still life se formula una estructura concreta que plantea la relación de la parte con el todo (la relación de la viñeta y la página, y de la página y el todo) a través de la repetición (la forma de la viñeta, la composición de página o reiteración de las escenas) y la alteración de los elementos (mediante la elipsis).

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sOBRE BRAIS RODRÍGUEZ

Brais Rodríguez (1980). Licenciado en Bellas Artes. Dibujante e historietista. Actualmente trabaja de docente en el Fogar de Santa Margarita en A Coruña.

Ha publicado diversos fanzines en el sello Carne líquida como La chica con el Sol en la cabeza (2016), Sombra (2017) o Onde estás? (2018). En 2019 ha editado en colaboración con la Galeria Caylus y el Museo del Prado La era de las imágenes desaparecidas. También ha publicado en 2011 La mano del diablo con Astiberri y Demo editorial.

También ha estado presente en exposiciones como Surexposition. La photo en BD. IMMIXgalerie, Paris (2020), El arte en el cómic (Fundación Telefónica) o Verticais, en la Sala C, Santiago de Compostela (2019).

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mÁS SOBRE EL PROYECTO

sergio arribas, paradoja/Rómulo

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real academia de españa en roma

processi 149 | exposición final de los artistas e investigadores en residencia, promoción 2021/2022

Del 15 de septiembre al 27 de noviembre de 2022

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ficha técnica

A. Marble

2022

Instalación.

Sublimación sobre neopreno y felpa.

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paradoja/rómulo, el proyecto

El proyecto usa como punto inicial la paradoja de Teseo, que plantea si la nave del héroe griego seguía siendo la misma al sustituir cada una de sus piezas originales. Paradoja/Rómulo indaga en los procesos de reposición y copia, tratando de transcribir al lenguaje de la moda y códigos textiles algunas de las conclusiones de esta investigación sobre la réplica.

Plutarco planteó en su libro “Vidas Paralelas” una analogía en las biografías de Teseo y Rómulo, fundadores de Atenas y Roma respectivamente. La antigua Roma, deudora de la civilización griega, reproduce gran parte de su iconografía y símbolos, creando la cultura clásica que todavía a día de hoy establece los cánones estéticos y culturales de occidente.

Al igual que los filósofos clásicos se preguntaban si la esencia del barco de Teseo permanecía en él tras reponer todas las tablas, este proyecto indaga sobre la identidad de un individuo que muta tecnológicamente, haciéndose las siguientes preguntas: ¿hasta qué momento un humano modificado tecnológicamente sigue siendo humano? ¿Qué elementos necesitaría una máquina para poder adquirir conciencia de su propia existencia? ¿Puede un ser humano existir exclusivamente en un entorno digital?

La investigación se traducirá en un proyecto interdisciplinar con la moda como eje principal, pero incluirá otras disciplinas de las artes aplicadas y visuales (diseño de producto, gráfico y creación audiovisual…), sirviéndose además del uso de las denominadas nuevas tecnologías.

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sobre sergio arribas

Valencia, 1981. Director Creativo, licenciado en Bellas Artes por la Politécnica de Valencia, co­menzó su carrera colaborando en medios espe­cializados en diseño y tendencias. Tras trabajar varios años el ámbito educativo, como docente y responsable de comunicación de las escuelas creativas IED Moda Lab Madrid y TAI, ha dedica­do los últimos años al sector de la moda y el lujo.

Una de sus primeras incursiones en la indus­tria de la moda fue como comisario de la cam­paña de lanzamiento de la tienda online de Zara en Estados Unidos. Más tarde trabajó dentro del departamento de imagen y comunicación de la marca Lefties, desarrollando el cambio visual de la firma del grupo Inditex. Actualmente traba­ja en el departamento de marketing global de Lladró, empresa española de artesanía y porce­lana artística, como director de arte y conteni­do, dirigiendo campañas y anuncios de la firma de todos sus territorios.

Desde 2017 forma parte del colectivo Exis­tence Research Program, en el que colaboran creativos y científicos de diferentes disciplinas, desarrollando proyectos que unen moda, arte y tecnología. En febrero de ese mismo año se presentó su primera colección “Europa” en Mer­cedes Benz Fashion Week Madrid dentro de la plataforma EGO Samsung.

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Más sobre el proyecto

manuel rodríguez, < Time. No iime>

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REAL ACADEMIA DE ESPAÑA EN ROMA

PROCESSI 149 | EXPOSICIÓN FINAL DE LOS ARTISTAS E INVESTIGADORES EN RESIDENCIA, PROMOCIÓN 2021/2022

Del 15 de septiembre al 27 de noviembre de 2022

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<TIME. NO TIME>, EL PROYECTO

Ópera multimedia para 8 monocordios amplificados, soprano de coloratura amplificada, electrónica y vídeo. Duración estimada: 45 minutos.

Este proyecto artístico trata sobre el tiempo y la percepción del mismo en nuestra sociedad contemporánea y en la música. Musicalmente, los diferentes niveles temporales (pasado, presente y futuro) se procesan, se interconectan y se superponen uno encima del otro. La idea de unir pasado y futuro en el presente también se implementa en el nivel visual de la composición. El material musical y audiovisual es sometido a distintos procesos temporales: aceleración y desaceleración, ser reproducidas marcha atrás o presentar saltos intermitentes entre pasado y futuro.

Los monocordios son instrumentos diseñados y construidos por el propio compositor. Cada uno de ellos incluye 25 cuerdas afinadas a doceavos de tono a diferentes alturas. Además están amplificados mediante micrófonos de contacto insertados en su interior; esta amplificación es a su vez transformada mediante varios efectos digitales y alterada mediante distintos accesorios y técnicas instrumentales.

En Roma, me gustaría explorar y recopilar ideas en torno a este aspecto de ciudad entre pasado, presente y futuro, y incorporarlas en la obra, tanto con elementos sonoros y referencias musicales como en la puesta en escena visual. Gran parte de este material será material fonográfico de distintas épocas (con diferentes grados de erosión) perteneciente al archivo del Istituto centrale per i beni sonori ed audiovisivi.

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SOBRE manuel rodríguez

Valencia, 1980. Se siente cómodo en la diversidad, alternando entre técnicas compositivas, recursos instrumentales, objetos y medios, a veces extremadamente diferentes. También disfruta organizando el caos en combinaciones inesperadas. Últimamente se centra en la intertextualidad, reinterpretando piezas del pasado, y también en una idea personal de honestidad en el proceso de composición.

Ha sido becado para residir en la «Künstlerhaus-Schloss Wiepersdorf», «Schloß Hundisburg», «Kunstlerhaus Schreyahn» (Alemania), Casa Baldi (Italia) y en el Centro de Compositores de Visby.

En 2011 recibió el Premio Tremplin otorgado por el Ensemble Intercontemporain. En 2014 obtuvo el Premio del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música de España. En 2018 fue galardonado con el Premio Proyecto Positano otorgado por la Ernst von Siemens. En 2019 fue galardonado con la Beca Leonardo del BBVA. Ha sido compositor en residencia del Festival Sampler Series (Barcelona).

Estudió composición en Barcelona, Helsinki y Aarhus (DK) y asistió a varios seminarios y clases magistrales en diferentes países. Vive en Potsdam, Alemania.

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MANU BLÁZQUEZ, LINEA D’ARGENTO

REAL ACADEMIA DE ESPAÑA EN ROMA

PROCESSI 149 | EXPOSICIÓN FINAL DE LOS ARTISTAS E INVESTIGADORES EN RESIDENCIA, PROMOCIÓN 2021/2022

Desde el 15 de septiembre de 2022 al 30 de noviembre de 2022

Ubicación de las obras en sala

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Ficha Técnica

A. Linea d’argento (prototipo del libro de artista).

2022

Impresión digital sobre papel 100 gr.

46cm x 32 cm (libro abierto)

Este libro es un homenaje a otro libro que me acompaña desde mi formación académica especializada en grabado, Il gesto e il segno de Guido Strazza. Se compone de tres capítulos desarrollados a lo largo de esta residencia. Un álbum fotográfico de todos mis viajes y visitas, 8 series de dibujo o interpretaciones gráficas a partir del libro de Strazza y una serie de textos, entre ellos, la transcripción de las palabras que Guido Strazza dejó en uno de nuestros encuentros.

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B. Linea d’argento (grabados)

2022

Aguafuerte sobre papel

Dimensiones variables: 50cm x 65 cm (c/u)

Serie de seis grabados al aguafuerte realizados a partir de los dibujos del libro de artista Linea d’argento. Este «resumen» presenta tres de las cuatro temáticas analizadas a lo largo de esta experiencia. Según la clasificación de Strazza en su libro Il gesto e il segno: variaciones de crecimiento, trazo o línea derivada y trama inducida. Todo el grupo puede leerse como una única obra donde cada una de sus partes nos muestra una posibilidad de sensibilizar la superficie a partir del uso de la línea.

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C. Moderato deciso

2022

Aguafuerte sobre papel

25cm x 16 cm (plancha); 50cm x 65 cm (papel)

Este grabado alternativo o complementario muestra una «paleta» de trazos precedentes a la elaboración de las series de grabados. A su vez, es un registro del ritmo de las campanadas de la iglesia San Pietro in Montorio, conectada a esta Academia por el Templete de Bramante. Todos los grupos de líneas que aparecen en esta obra lo hacen al ritmo de 3-4-5-1.

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Linea d’argento, el proyecto

Este proyecto es un homenaje y acto de agradecimiento a quienes han sido y siguen siendo mis maestros en el área de la gráfica artística, campo al que he dedicado los últimos 17 años de mi vida. Un estudio desarrollado en el seno de la Academia de Bellas Artes de Bolonia donde me diplomé en el año 2010 y al que he recurrido con otra mirada gracias a esta residencia en la Academia de España en Roma. Cabe tomar este proyecto como un viaje no solo en el espacio sino también en el tiempo cuyo punto de partida es un libro que me acompaña exactamente desde los mismos años dedicados a esta materia. Su título, Il gesto e il segno[1], presenta una ecuación que, a día de hoy, todavía me pregunto, principalmente desde la praxis: ¿qué es lo que significa y cuál es la correspondencia entre ambos conceptos? Cuestión que su autor, Guido Strazza[2], aborda con gran elocuencia y pedagogía presentando algunas claves y vías de desarrollo en la primera parte del libro. Se trata de ejemplos y casos por los que, consciente o inconscientemente, mi trabajo siempre ha transitado.

[1] Título completo: Il gesto e il segno. Tecnica dell’incisione. 1ª edición: Vanni Scheiwiller (1979). Edición consultada: Apeiron (2016).

[2] Guido Strazza. Santa Flora, 21 de diciembre de 1922. Reside en Roma desde el año 1964.

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Sobre Manu Blázquez

Valencia, 19.12.1978. Licenciado en Bellas Artes (Bolonia, 2009). Su investigación artística se caracteriza por la búsqueda de sistemas donde se relacionan los conceptos fundamentales de espacio y tiempo a través de un diálogo permanente entre la geometría y la aritmética. Su trabajo plástico combina diferentes disciplinas, como el grabado, la escritura y la pintura. A nivel conceptual, su análisis puede relacionarse a artistas que se han servido de cánones matemáticos para desarrollar sus propuestas visuales y profundizar en aspectos procesuales ligados a la programación humana. Artistas como Sol Lewitt, Hanne Darboven, Werner Cuvelier y Elena Asins, entre otros. Desde el año 2013, su trabajo ha sido mostrado en diferentes exposiciones individuales y colectivas, tanto nacional como internacionalmente. Recientemente, ha participado en el programa de residencias artísticas Kulturkontakt Austria (2018) y expuesto su trabajo en el Centre del Carme gracias a la Beca Alfons Roig (2021).

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más sobre el proyecto

mónica gutiérrez (basurama), in serere

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REAL ACADEMIA DE ESPAÑA EN ROMA

PROCESSI 149 | EXPOSICIÓN FINAL DE LOS ARTISTAS E INVESTIGADORES EN RESIDENCIA, PROMOCIÓN 2021/2022

Del 15 de septiembre de 2022 al 27 de noviembre de 2022

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FICHA TÉCNICA

A. Limequat sin injertar

2022

Vaso liso, terracota Impruneta

Es un híbrido de citroffortella , resultante del cruce entre un key lime y un kumquat , hibridado por primera vez por Walter Tennyson Swingle en 1909. Citrus japonica ‘Margarita’ x Citrus aurantiifolia, es conocido comunmente como Tavares, nombre de la ciudad estadounidense de Tavares en Florida. Es un híbrido de Key lime cruzado con un kumquat ovalado (aunque hay algunas especulaciones de que en realidad es un híbrido limón /kumquat), el fruto es más grande y más alargado y en la madurez el color es más anaranjado que otros limequats.

B. Limone Caniculatum + Cedrato Gaetani

2022

Vaso liso, terracota Impruneta

Antigua variedad cultivada en la Toscana en el siglo XVII. Planta con crecimiento asurgente, con más de una floración y muy productiva. Hojas ovaladas-lanceoladas de color verde oscuro, yemas moradas colocadas individualmente o en grupos. Fruto de tamaño mediano, oval-esférico y en forma de pera, con piel rugosa y punta mamelada.

C. Limone Caniculatum + Limone Mutabilis

2022

Vaso liso, terracota Impruneta

Antigua variedad cultivada en la Toscana en el siglo XVII. Planta con crecimiento asurgente, con más de una floración y muy productiva. Hojas ovaladas-lanceoladas de color verde oscuro, yemas moradas colocadas individualmente o en grupos. Fruto de tamaño mediano, oval-esférico y en forma de pera, con piel rugosa y punta mamelada.

D. Kumquat + Limequat

2022

Vaso liso, terracota Impruneta

Originaria del sur de China, esta es una de las plantas cítricas más antiguas y fue traída a Europa en el siglo XIX. Es una planta bastante pequeña y muy productiva, de follaje tupido y compacto. Las ramas tienen muy pocas espinas y las hojas lanceoladas tienen una superficie superior de color verde oscuro. Florece principalmente en verano y las flores son pequeñas, fragantes y crecen individualmente. Los frutos son pequeños y ovalados con cáscara suave, anaranjada, aromática y pulpa agradable y ácida. La planta es muy tolerante al frío y se adapta bien al cultivo en macetas como planta ornamental. El fruto dura bien en la planta.

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E. Kumquat + Chinotto

2022

Vaso liso, terracota Impruneta

Originaria del sur de China, esta es una de las plantas cítricas más antiguas y fue traída a Europa en el siglo XIX. Es una planta bastante pequeña y muy productiva, de follaje tupido y compacto. Las ramas tienen muy pocas espinas y las hojas lanceoladas tienen una superficie superior de color verde oscuro. Florece principalmente en verano y las flores son pequeñas, fragantes y crecen individualmente. Los frutos son pequeños y ovalados con cáscara suave, anaranjada, aromática y pulpa agradable y ácida. La planta es muy tolerante al frío y se adapta bien al cultivo en macetas como planta ornamental. El fruto dura bien en la planta.

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F. Tarochino + Citrus Australica

2022

Vaso liso, terracota Impruneta

Esta especie fue comprada a Europa e Italia en el siglo XV por los portugueses, y probablemente procedía originalmente del sur de China e Indochina. El naranjo dulce es el cítrico más conocido y cultivado del mundo. Tiene follaje compacto, hojas de tamaño mediano con tallos ligeramente alados y flores blancas fragantes que crecen ligeramente y en racimos. Los frutos son redondos o esféricos, de color naranja más o menos brillante, con una pulpa jugosa agridulce. El grupo de moro, tarocco, sanguino y sanguinello tiene la típica pulpa de color rojo sangre. Las plantas son vigorosas y el fruto tiene piel y pulpa moteada, de color naranja oscuro y rojo.

G. Pomelo + Limone Caniculatum

2022

Vaso liso, terracota Impruneta

Probablemente se originó en el sur de China y se encontró en Europa en el siglo XI, esta es una de las especies de cítricos «verdaderas», junto con la cidra y la mandarina. Sus orígenes son remotos. En Liguria se suele llamar sciadocco, por Shaddock, el capitán inglés que lo llevó a América. El Pomelo Chino (Pamplemusa) no debe confundirse con el Pomelo (Citrus paradisi); las diferencias radican en los brotes jóvenes y las características de los frutos, que son grandes, con forma de pera, esféricos o aplanados y tienen semillas monoembrionarias. Es una planta muy vigorosa y espinosa con brotes angulosos y hojas grandes elíptico-ovaladas con tallo alado. Las flores son grandes y se encuentran tanto en racimos como individualmente.

H. Citrus Australica + Cedro Pireto

2022

Vaso liso, terracota Impruneta

De origen australiano. Targioni Tozzetti escribió en 1853 sobre una nueva especie de cítricos, que fue traída a Florencia desde Alemania en 1838 por Conte di Bouturlin para su jardín en via dei Servi en el centro de Florencia. Esta podría ser Citrus australis, que se propagó en 1841, primero a los jardines botánicos de Florencia y luego a los jardines de Pisa, Bolonia, Módena y Nápoles. La planta es vigorosa y tupida con hojas pequeñas, gruesas, duras y ovaladas. Las pequeñas flores blancas crecen solas. Los frutos son cilíndricos de piel verde amarillenta ligeramente arrugada.

I. Limone Lunario + Limone Dolce

2022

Vaso liso, terracota Impruneta

Esta variedad de limón se conoció en el siglo XIX, y se le llamó «lunario», porque en su zona de origen florece con cada luna nueva; y también «limón cuatro estaciones» porque tiene fruta todo el año. Es una planta remontante vigorosa y muy productiva, con frutos y flores todo el año. Las hojas son de color verde oscuro y elípticas, con una punta puntiaguda, los cogollos son de color púrpura y crecen tanto solos como en grupos. El fruto es alargado, con un cuello pronunciado en la parte peduncular y un umbo en el ápice. El fruto tiene un epicarpio delgado y una pulpa jugosa, ligeramente ácida y con pocas semillas. A diferencia del limón «florentino», este cultivar solo se vuelve completamente productivo cuando madura.

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J. Chinotto + Limequat 

2022

Vaso liso, terracota Impruneta

Originaria de China, la naranja de hojas de mirto o chinotto se cultiva en Italia desde hace varios siglos. Se encontró en los jardines de los Medici en el siglo XVI, según consta en 1595 por Agostino del Riccio «el naranjo chino es una planta pequeña como el mirto español». La planta es bastante pequeña, tupida y compacta con un crecimiento lento, pero es muy productiva. Se destaca de otras plantas cítricas por sus inusuales hojas pequeñas, duras y puntiagudas, como las de la planta de mirto (Myrtus communis L.). Es remontante y florece principalmente en primavera y otoño, con flores pequeñas y abundantes tanto en las ramas jóvenes como en las adultas, que producen un contraste de color inusual entre las hojas verde oscuro y las flores blancas, con su perfume dulce y embriagador. Los frutos son muy decorativos y permanecen en la planta mucho tiempo. Son pequeños, aplanados en los extremos y de color naranja intenso cuando están maduros; el fruto suele crecer en racimos y tiene un sabor agrio. La fruta se usa confitada y en bebidas refrescantes por su sabor ligeramente amargo. Es una planta es muy adecuada para el cultivo en macetas.

K. Lima Kaffir + Limequa

2022

Vaso liso, terracota Impruneta

Originaria de la India, la lima kaffir está muy extendida en Mauricio, en el Océano Índico. Fue introducida en la ciudad de Nimes, cerca de Montpellier, en 1808 por un capitán de barco, según escritos de Targoni Tozzetti de 1853.En Italia se introduce a través del profesor Gaetano Savi que compró una planta en Francia, en 1825, para el jardín de Pisa. Es una planta pequeña con follaje irregular y espinas cortas. Las hojas de color verde oscuro tienen una forma ovalada u oblonga inusual con un tallo alado tan grande como las hojas. Las flores son pequeñas, blancas y fragantes. El fruto es esférico y de color amarillo verdoso con piel surcada. La pulpa tiene un jugo muy amargo y agrio.

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L. Mapa Relacional

2022

Dibond

120 cm x 150 cm

En el mapa se muestran los diferentes huertos visitados durante el proyecto.

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in serere, EL PROYECTO

In Serere es un proyecto de investigación, creación y mediación artística que utiliza la técnica del injerto como práctica performativa de cuidado. El objetivo es emplear esta técnica agrícola para generar vínculos relacionales entre los huertos urbanos comunitarios de la ciudad de Roma. La creación de simbiosis conscientes, basadas en el cuidado,que favorezcan la transición de una ciudad antropocéntrica a una más agropolitana. Integrar formas de productividad alternativa, favoreciendo el intercambio de conocimientos y el avance a nuevos modelos de sostenibilidad. El proyecto trabaja con árboles de cítricos, no sólo por la estrecha relación que España e Italia tienen en el cultivo de los mismos, sino para recuperar la idea de las «quimeras cítricas», muy conocidas en la época de los Médici, nuevas variedades que se producían bien por mutación espontánea o por hibridación y que se conservaban y cuidaban como verdaderos tesoros. Recuperar las quimeras como metáfora sobre la necesidad de preservar la diversidad genética vegetal. Pues lo híbrido, lo mutante, lo diverso permiten especular sobre posibles futuros al mismo tiempo que sirven como mecanismo de reflexión contra la homogenidad imperante en nuestras ciudades hoy en día y como contrario al modelo de consumo y sociedad neoliberal dominante. In Serere quiere proponer imaginarios de colaboración interespecífica que nos alejen del ciudadano-consumidor y caminen hacia un ciudadano-productor-creador-cuidador. Visibilzar y colaborar con movimientos ciudadanos que ayudan a imaginar futuros mejores.

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SOBRE mónica gutiérrez (basurama)

Madrid, 1982. Mónica Gutiérrez le apasiona nadar, la mermelada y el brócoli. Estudia Ciencias Ambientales y, posteriormente, dos másteres, uno en Cooperación Internacional y otro en Gestión de Proyectos Culturales. Actualmente es integrante de Basurama, colectivo que lleva más de 20 años trabajando entre el arte, la arquitectura y el medioambiente. Centran su área de estudio y de acción en la ciudad y los procesos complejos que en ella conviven. Trabajo en red, participación activa, puesta en valor de recursos locales y creatividad son las claves para desarrollar proyectos de transformación social. Premiados, entre otros galardones con el Curry Stone Social Design Circle, UN-Habitat Innovative Practices on Waste Education,  Premio Graffica y finalistas en Innovation in Politics Awards y Le Monde Prize Urban Innovation Awards. Han realizado más de 150 proyectos en 40 países; entre ellos proyectos para Museo Reina Sofía, BMW Guggenheim Lab, Victoria & Albert Museum, Fundación Calouste Gulbenkian, World Design Capital Taipei 2016, World Design Capital Cape Town 2014, Philadelphia Mural Arts, AECID España, La Casa Encendida, Zürich Kunsthalle, Casa DAROS Rio de Janeiro , SESC Sao Paulo, Matadero Madrid, CaixaForum,Museo Thyssen Bornemiza, Museo Nacional del Prado, Suzu-Noto Triennale, Seoul Design Week, Bochum Schauspielhaus … y muchos proyectos autopromocionados.

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Posta elettronica info@basurama.org // monica@basurama.org

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más sobre el proyecto

marta azparren, diario di fabbrica

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real academia de españa en roma

processi 149 | exposición final de los artistas e investigadores en residencia, promoción 2021/2022

Del 15 de septiembre al 27 de noviembre de 2022

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ficha técnica

A. Diario di fabbrica

2022

Vídeo sobre papel, B/N

2’ (en bucle)

Fragmento del vídeo original “Reggio Calabria” cedido por el AAMOD.

Proyecto audiovisual sobre la huella del trabajo de fábrica en la práctica artística. Un grupo de obreros asisten a la primera asamblea en una fábrica en Reggio Calabria en 1970. El plano secuencia desplegado en el espacio fotograma a fotograma, convierte la escena en un retrato de grupo en eterno presente

B. Diario di fabbrica

2022

Vídeo sobre Opus reticulatum, color

15’ 48’’

Sobre el muro opus reticulatum realizado con el gesto repetido de algún faber romano se superpone la coreografía del gesto de la mano de la artista colocando cada uno de los 2000 fotogramas del vídeo.

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diario di fabbrica, el proyecto

Diario di fabbrica es un proyecto audiovisual que investiga la huella del trabajo industrial en la actividad artística a partir del cruce de la mirada de Roberto Rossellini en la película Europa’ 51 con el pensamiento de Simone Weil en su descripción del trabajo fordista y en diálogo con el pensamiento contemporáneo sobre la precarización de la cultura.

Se trata de conectar el relato de la cadena de montaje fordista en los cuerpos periféricos y los espacios industriales, con el modo en que la industria cultural ha ocupado posteriormente esos espacios fabriles y los y las artistas han asumido la condición precaria y algunos de sus bucles. Las antiguas fábricas pasan a ser ocupadas por la institución cultural, y en su cadena de montaje del deseo, trabaja un espectador autosuficiente y un artista que ha tomado el relevo del obrero en la industria de la producción de imaginario.

Simone Weil creía que existían tres condiciones que hacían imposible el pensamiento en una fábrica: el ruido, la velocidad y la repetición. Estos tres obstáculos nos resuenan familiares a los nuevos habitantes de las antiguas fábricas, que vemos como se perpetúan antiguas dependencias, explotaciones del deseo y sumisiones, no tan ajenas (al menos en cadencia) a aquellas que conoció la pensadora.

El conjunto de registros, entrevistas y documentos que conforman Diario di fabbrica se piensa también como un archivo.

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sobre marta azparren

Santa Cruz de Tenerife, 1968. Artista visual. Se mueve entre el cine experimental, las artes vivas y el dibujo.

Licenciada en Bellas Artes por la UCM y máster en Estudios sobre cine y audiovisual contemporáneo por la UPF, su obra ha sido proyectada y premiada en numerosos festivales internacionales de cine y vídeo, exposiciones y ferias de arte.
Su trabajo propone una metareflexión sobre la actividad artística con especial atención a las conexiones entre el creador, el espectador, la obra de arte y la maquinaria interna de la mediación, la producción y la exhibición. La mirada se dirige además hacia lo no visual en lo visual, el hueco de lo ausente, lo descartado, lo que no sucede.
Ha dirigido también algunas piezas escénicas y colabora habitualmente con músicos y compañías de teatro y danza contemporáneas.

www.martaazparren.es
martazpa

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Más sobre el proyecto:

Diario di fabbrica es un proyecto audiovisual sobre la relación o la huella del trabajo de la fábrica en la práctica artística. El nombre lo tomo de un libro que escribió la filósofa Simone Weil que pasó un año trabajando en una cadena de montaje, ella, después de su experiencia escribe que hay tres condiciones que impiden poder pensar dentro de una fábrica, el ruido, la velocidad y la repetición. Mi investigación tiene que ver con la manera en que esas tres condiciones se mantienen en el trabajo contemporáneo en general y en el artístico en particular.

De entre todo el material que he revisado y grabado estos meses de estancia he seleccionado una pieza que parte de un documental de archivo sobre Reggio Calabria que es lo que podéis ver en la sala grande sobre el papel. Se trata de un plano secuencia que se grabó en una fábrica durante la primera asamblea que tuvo lugar después de la revuelta de Reggio Calabria en 1970. Un grupo de obreros escucha al representante sindical y la cámara va pasando por sus rostros uno a uno.

Mi intervención consiste en fijar y desplegar en el espacio cada uno de los fotogramas del plano secuencia, dejando la huella del movimiento de la cámara. El último fotograma que vemos desplazarse es el activo, el que veríamos en la pantalla de cine y el resto son las huellas de ese movimiento de la cámara y el trazo sería el del pulso de quien maneja la cámara.

Si como dice Pasolini el tiempo del plano secuencia es el presente el resultado podría ser un retrato del grupo de obreros en un presente eterno.

En el muro de enfrente al fondo, sobre el opus reticulatum, hecho con el trabajo repetitivo de un faber romano, se proyecta el gesto de mis manos sobre el ordenador manipulando y colocando los más de 2000 fotogramas del vídeo, una coreografía de gestos repetidos como una cadena de montaje, un montaje cinematográfico en este caso.

manuel ignacio moyano, Montajes sobre Juan Rodolfo Wilcock

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REAL ACADEMIA DE ESPAÑA EN ROMA

PROCESSI 149 | EXPOSICIÓN FINAL DE LOS ARTISTAS E INVESTIGADORES EN RESIDENCIA, PROMOCIÓN 2021/2022

Del 15 de septiembre al 27 de noviembre de 2022

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FICHA TÉCNICA

A. Entrevista «Un’ora con Juan Rodolfo Wilcock» en la RAI

1973

Video

60’

B. Fragmentos de inicio de cada capítulo del texto

2022

Impresión en dibond

21 cm x 29,7 cm (A4)

C. Cuadros de Caravaggio intervenidos con frases del texto

2022

Impresión en dibond

21 cm x 29,7 cm (A4)

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Montajes sobre Juan Rodolfo Wilcock, EL PROYECTO

Este proyecto consistió en la redacción de un ensayo literario sobre la vida y obra de Juan Rodolfo Wilcock (Buenos Aires, 1919 – Lubriano, 1978). En una trenza permanente entre el comentario estudioso, el acercamiento biográfico, una lectura personal y momentos de ficción, el texto alcanzado presentó un Wilcock singular.

«Montaje» significó la posibilidad de conectar diversos materiales no relacionados a priori, para alcanzar un relieve sinuoso que fuera fiel a la múltiple vida y obra del escritor, a ese país que solamente él habitó. De ahí, en un cruce entre lo sagrado y lo profano, lo alto y lo bajo, la divinidad y el infierno, apareció también un cromatismo que tuvo otro nombre y complementó al de Wilcock. Caravaggio. Sus pinturas fueron el chiaroscuro con que avancé por la patria de un escritor inclasificable.

El lector del ensayo sabrá comprenderlo sin que se lo expliquen.

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SOBRE manuel ignacio moyano

Manuel Ignacio Moyano (Córdoba, Argentina, 1987). Escritor, ensayista y director escénico. Publicó la novela La ciega (Taller Perronautas, 2021), los ensayos Giorgio Agamben. El uso de las imágenes (La Cebra, 2019) y Bonino. La lengua de la inocencia (Borde perdido, 2017 – Primera Mención Concurso de Ensayos Heterónimos 2018), así como el poemario Ética para nada (Lisboa ed., 2019). Dirigió y escribió las obras escénicas Ntolsvz Rlkenmt y Play. Preferiría no actuar. Entre 2018 y 2020 participó con una columna de lecturas en el programa radial de frecuencia semanal Caravana Perra (Radio Colmena). Publicó textos sobre filosofía, política, arte y literatura en diversas revistas y libros colectivos. Tradujo libros del italiano al español. Es profesor en universidades y centros culturales.

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Más sobre el proyecto

leire san martín, AGUJERO SE DICE BUCO SE PARECE A BOCA

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REAL ACADEMIA DE ESPAÑA EN ROMA

PROCESSI 149 | EXPOSICIÓN FINAL DE LOS ARTISTAS E INVESTIGADORES EN RESIDENCIA, PROMOCIÓN 2021/2022

Del 15 de septiembre al 27 de noviembre de 2022

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FICHA TÉCNICA

Leire San Martín Goikoetxea, Sara Martín Terceño y Marión Cruza Le Bihan

Fragmento de la performance realizada en la inauguración de Processi 149

15 de septiembre de 2022

Vídeo

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AGUJERO SE DICE BUCO SE PARECE A BOCA, EL PROYECTO

Una voragine (dicho en romano, con acento pero sin tilde en la a y leído como si llevara dos g-s) es un agujero que se abre en las calles de Roma por ejemplo cuando llueve o por ejemplo cuando se rompe una tubería o por ejemplo cuando la ciudad bajo la ciudad tiene ganas de aparecer. Es también el nombre de la revista que nace como resultado de un movimiento voraginoso, rápido, arremolinado y poco metódico a través del que Leire ha entrado en contacto con varias experiencias, espacios, personas de la ciudad, y que Sara ha seguido, escuchado, leído, hecho resonar, desde Madrid.

Pensar la mediación como dispositivo activador del deseo, entendido pegado a la cuestión del conflicto en el sentido que le dan Benasayag y Del Rey en su Elogio del conflicto: “… todas [las] imágenes normativas de la felicidad poseen un eje común: se presentan como puntos de desenlace del deseo y, por tanto, de cese del conflicto. La felicidad se asimila a la suspensión del deseo entendido como conflicto. Es el lugar metafísico de la tranquilidad absoluta (…), en tanto que se concibe el deseo como el enemigo de la felicidad. “Feliz” significa estar fuera del devenir. Ahora bien, por definición el deseo nos introduce en el devenir y por tanto en el movimiento contradictorio: en el conflicto. Nuestras sociedades han acabado por construir un modelo de felicidad ligado al deseo profundo de acabar con el deseo (…)”. Mediación sería entonces una forma capaz de reconocer la multiplicidad que nos compone, que, lejos de silenciar el deseo, lo posibilite como forma de bienestar radical.

Sara Bautista, en uno de los encuentros en Metropoliz-MAAM, se emocionaba hablando del proceso instituyente junto a la gente del arte y del activismo, alianza que ha provocado en ella un desplazamiento del miedo de perder su casa a la lucha por defender la casa. Giancarlo Savino, en el Corviale, dice que allí el simple estar de los artistas ya provoca algún tipo de movimiento de tierras dentro de una arquitectura concreta: de cemento, donde todo pasa por debajo. En la cerveza con Carlo pensamos que abrir agujeros para hacer entrar (en su caso a Clínica Legale en el edificio de la universidad) puede desinstitucionalizar, desequilibrar, desnormativizar.

El 16 de febrero de 2022 salimos a buscar a las statue parlanti, atraídas por el fenómeno de las palabras que aparecían a los pies de las piedras durante el cinquecento romano. Unos meses más tarde hablamos nosotras a través del agujero en la piedra que es voragine.

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SOBRE leire san martín

Me interesa la mediación como dispositivo a través del que imagi­nar posibilidades para estar juntas y hacer sentido. Como forma de salir de cierto ensimismamiento y revelar en el proceso algunos de los mecanismos que hay al interior de la máquina-arte y de la máqui­na-mundo.

He trabajado en el cruce entre arte contemporáneo y educación en diversos contextos. Desde 2014 soy responsable de mediación en Tabakalera, Centro Internacional de Cultura Contemporánea. En para­lelo, he llevado la programación y coordinación de Feministaldia, fes­tival de cultura feminista durante sus últimas 8 ediciones. He parti­cipado en varios proyectos, entre otros: el comisariado y mediación de la exposición “Itzuli Barik” dentro del programa Harriak (eremuak), la coordinación de “Cine_ilegal” en Bulegoa z/b, o el ciclo de proyec­ciones itinerante “Superbia: Ulrike Ottingerren 8 film” (junto a Sahat­sa Jauregi). Entre 2013 y 2016 for­mé parte del equipo de “Tratado de Paz”, proyecto dirigido por Pedro G. Romero y enmarcado en el pro­grama de Capitalidad Cultural de Donostia 2016 para el cual realicé la investigación “Una arqueología de la mediación” junto a Sara Martín Terceño.

SARA MARTÍN TERCEÑO (co-autora del proyecto):

Trabajo en instituciones culturales desarrollando proyectos de me­diación como educadora desde prácticas artísticas contemporá­neas y revisiones de la historia del arte. En mi encuentro con los pú­blicos he desarrollado herramien­tas y metodologías de mediación que pasan por investigar, produ­cir gestos e interrogar protocolos que devienen formas políticas de estar (en lo institucional).

Desde 2003 he trabajado con instituciones como CentroCentro o Intermediae/Matadero Madrid, Ins­tituto Cervantes de Varsovia junto al Centro de Arte Zamek Ujazdows­ki, Towner Contemporary Art (East­bourne), DA2 (Salamanca), Centro de Arte Moderna Jose Aceredo Perdigao de la Fundación Gulben­kian (Lisboa) o Manifesta8.

Actualmente en Madrid colabo­ro con el departamento de edu­cación del MNCARS investigando nuevas posibilidades para las prácticas de mediación desde lo performativo.

En 2016 en el marco de “Tratado de Paz”, proyecto dirigido por Pe­dro G. Romero para la Capitalidad Cultural de Donostia 2016, realicé la investigación “Una arqueología de la mediación” junto a Leire San Martín Goikoetxea.

más sobre el proyecto

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jorge fuembuena, chavales del arroyo

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REAL ACADEMIA DE ESPAÑA EN ROMA

PROCESSI 149 | EXPOSICIÓN FINAL DE LOS ARTISTAS E INVESTIGADORES EN RESIDENCIA, PROMOCIÓN 2021/2022

Del 15 de septiembre al 27 de noviembre de 2022

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FICHA TÉCNICA

Mandrione, Idroscalo de Ostia, Mercato Gazometro, Tor Bella Monaca

2022

Silver gelatin print on Rollei Vintage 128 photographic paper, expired in 2006.

20 cm  x 25 cm

Transformación del territorio, desaparición del urbanismo. Paisajes detenidos, suspendidos. Destellan o revelan una cierta especificidad por su valor simbólico. El paisaje te devuelve la mirada y te cautiva/interpela.

Alessandro, Thomas, Stefano.

2022

DIASEC

156 cm x 125 cms

Fotografías tomadas con cámara de gran formato. Existen gestos, postura corporal, expresión facial, inspirados en  pinturas de Caravaggio. Distancia íntima con el sujeto. Los jóvenes están aislados frente a la persona que lo contempla. Tal vez en su dialéctica discursiva se indague en la idea de que el mundo se está convirtiendo en una imagen de sí mismo, en un espejismo. Son imágenes que presentan correspondencias y tensiones en la relación entre retratista y retratado y encuentra una horizontalidad con el mundo que está fotografiando.  Me veo a mi mismo como un naturalista que va tomando apuntes. También antropólogo ya que trabajo con las personas.

Baldosas encontradas en Mandrione

2022

Tea and oxide toned cyanotype

Son fragmentos de retratos tomados en los que se reencuadran  manos de los sujetos. El proceso de revelado son cyanotipias que posteriormente se han sometido a procesos de oxidación y degradación de la imagen. Existe esa idea de fragmentación de la mirada y de sumergirte en la temporalidad. Confrontar en un mismo espacio visual fragmentos. La fotografía es luz, y al final sale a la luz.

Prints encontradas en casas populares derribadas de Testaccio.

2022

Medidas variables

Encontradas debajo del suelo. Son imágenes enfermas, agónicas, imágenes que, como consecuencia de la biología transformadora del tiempo y de la química, padecen algún tipo de trastorno que perturba su función documental y las inhabilita para seguir “viviendo”. Es una experiencia, una inmersión en un mundo. La fotografía nos habla de lo inefable, de lo inexplicable.

Yoshua

2022

Fotopolímero y estampación artística sobre papel Zerkall Art Rag 300 gr

Políptico de 6 piezas de 63 x 49 cms

Serie tonal con esa idea de desvanecimiento. Subyacen elementos eróticos y místicos.

La secuenciación le aporta un sentido al discurso para generar nuevas relaciones.

Qué temporalidad tiene? Si esta imagen fuese música, qué tipo de música sería? Cuántos instrumentos, qué instrumentos serían?

chavales del arroyo, EL PROYECTO

Chavales del arroyo es un relato que toma el título de la novela de P.P. Pasolini Ragazzi di Vita(1955), de la que deriva, por ser reveladora de claves singulares que permiten comprender la complejidad de la ciudad.El legado literario y cinematográfico de Pasolini es el inicio de mi investigación visual,el estudio de los fondos documentales del archivo Pasolini. El trabajo continua con sesiones de trabajo realizando retratos de chicos que habitan en barriadas sociales, para explorar la representación del homoerotismo y la masculinidad como construcciones socioculturales en el curso de sesenta años de historia,en una narración documental decididamente abierta a lo imaginario.El registro de la periferia romana(chabolas,infraviviendas de la borgate,barriadas sociales) permite interrogarnos acerca de la desaparición o transformación de ciertos espacios urbanos y suburbanos,un territorio desconocido e ignorado,donde habitan los marginados y que tanto interés suscitó en Pasolini. En el deseo de mantener un diálogo poético con la ciudad de Roma, el proyecto participa de elementos afectivos y analíticos que permiten situarme en un territorio donde confluyen lo real y lo ficticio,la realidad y el deseo.¿Cómo hubiera narrado Pasolini la realidad actual? Sin duda, de modo incisivo aunque quizás sin pasar por alto la belleza del fracaso.

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SOBRE jorge fuembuena

Zaragoza, 1979. Becario de La Casa de Velázquez (Acadèmie de France à Madrid).Ha presentado su trabajo en Fotomuseum Winterthur(Suiza),Head On Photo(Australia),Imago Lisboa(Portugal),Kranj Photo (Eslovenia),Photo Zurich (Suiza),Lodz Fotofestiwal(Polonia),Athens Photo(Grecia),Kaunas Photo(Lituania),Arlés(France),Paraty Em Foco(Brasil),Festival Pingyao(China),Encontros Da Imagem (Portugal),Photoespaña(España),Bitume Photofest(Italia), Austro Sino Arts(Beijing, China),Lentos Museum Linz (Austria),Getty Gallery (England),Flora Ars Natura(Colombia),Bienal Fotoseptiembre(Mexico D.F),Bienal de Casablanca(Marruecos), Photo Biennale Tesalonika (Grecia),Trienale de Milán(Italia).

Participa en Contexto Crítico: Fotografía española del s. XXI(Tabacalera),NEW SPANISH PHOTOGRAPHY_Visions beyond borders (Nueva York y Washington), Reciente Fotografía de autor en España, un cierto panorama(Canal de Isabel II).Incluido en el Diccionario de fotógrafos españoles: del s.XIX al XXI(La Fábrica).Su trabajo se presenta asimismo en Ferias como Volta Basel,Paris Photo, ARCO,JustLX Lisboa, The Solo Proyect  Art Basel,Pulse Miami.Ha sido premiado con la Bienal de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler,Premio de la Fundación Enaire, Generaciones Caja Madrid, Premio Foto ARCO, entre otros. Representado por las galerías Max Estrella (Madrid), Galerie Frey (Viena y Salzburgo), Antonella Cattani (Bolzano), Addaya Art Contemporani (Mallorca), La Casa Amarilla (Zaragoza), Photential (Rusia/España), y por la agencia internacional Plainpicture(New York,París,Londres,Hamburgo). Su obra habita en numerosas colecciones privadas y públicas como Spallart,Nancy Novogrod,Polly Meyer,Jessica Levy,Rafael Tous,Los Bragales,DKW,Alcobendas,AENA,Kells,Campocerrado entre otras.

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Más sobre el proyecto

Encontramos tres fotografías impresas en DIASEC, son fotografías tomadas con cámaras de placas, cámaras de gran formato, en el que existen esos gestos, esas expresiones faciales que, de alguna manera, remiten a la dialéctica discursiva de Caravaggio. Existe una distancia íntima con el sujeto, los jóvenes están aislados frente a la persona que los contempla. De alguna manera, son imágenes que presentan correspondencias emocionales pero tensiones entre retratista y retratado, y encuentra de alguna manera una horizontalidad con el mundo que se está fotografiando.

En la siguiente pieza, vemos baldosas encontradas en el Mandrione, donde rodó Pasolini, son baldosas en las que se han reencuadrado frgamentos de retratos tomados de los modelos, de los sujetos, y en ese proceso, que parte de cyanotypes, posiblemente está sometido a procesos de oxidación y degradación de la imagen. Existe como esa idea de fragmentación de la mirada, como sumergirte en una cierta temporalidad y confrontar en un mismo entorno visual fragmentos. Al fin y al cabo la fotografía es luz y sale a la luz.

Vamos a encontrar también unas imágenes únicas que son C prints encontradas en casas populares derribadas de Testaccio, con medidas variables. Están enfermas, agónicas. Son imágenes que, de alguna manera, como consecuencia de la biología transformadora del tiempo y de su propia química padecen ese tipo de trastorno que perturba su función documental y de alguna manera las inhabilita para seguir viviendo.

Luego encontramos una serie tonal, es un fotopolímero iluminado con una estampación artística sobre un papel Art Rag es Yoshua. En esta secuenciación tonal existe esa idea de desvanecimiento y también subyacen elementos místicos y eróticos, generan nuevas relaciones y, de alguna manera, si esta imagen fuese música, qué tipo de música sería, cuántos instrumentos sonarían, qué instrumentos serían.

Luego vamos a encontrar, también, una última pieza que son una serie de cuatro reticular, una serie de cuatro paisajes, impresos también con gelatinobromuro de plata en un papel expirado en el 2006. Son una serie de paisajes que abordan esta idea de desaparición del urbanismo, de transformación del territorio como paisajes detenidos, suspendidos, que de alguna manera destellan o revelan una cierta especificidad por su valor simbólico. En este caso son Mandrione, Idroscalo de Ostia, Mercato Gazometro y Tor Bella Monaca. En este sentido el paisaje siempre te devuelve la mirada y siempre te cautiva o te interpela.

javier muñoz, aizpúrua e roma

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REAL ACADEMIA DE ESPAÑA EN ROMA

PROCESSI 149 | EXPOSICIÓN FINAL DE LOS ARTISTAS E INVESTIGADORES EN RESIDENCIA, PROMOCIÓN 2021/2022

Del 15 de septiembre al 27 de noviembre de 2022

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FICHA TÉCNICA

.Vitrina frontal

Carta de Fernando García Mercadal fechada en Madrid el 21 de Abril de 1928. Archivo de la Real Academia de España en Roma.

La Casa Bella, 18, Agosto 1929. Biblioteca centrale della Facoltà di Architettura. Sapienza Università di Roma.

Cuartillas de Fernando García Mercadal sobre su estancia en la Real Acadamia de España en Roma. Archivo de la Real Academia de España en Roma.

Vitrina posterior

Sartoris, Alberto. Gli elementi dell’architettura funzionale. Milano: Ulrico Hoepli Editore, 1932. Biblioteca de la American Academy in Rome.

Enrico del Debbio. Piscine. Roma: Fratelli Colombi Editori, 1933. Colección particular.

Postales del viaje  de José Manuel Aizpúrua en Italia. Archivo Aizpurua. Reproducciones.

Casabella, 79, Julio 1934. Biblioteca centrale della Facoltà di Architettura. Sapienza Università di Roma.

Mesa

Architettura. Rivista. Triennale di Milano. Fasciolo speciale. 1933. Biblioteca de la Real Academia de España en Roma.

Moretti, Bruno. Teatri. Milano: Ulrico Hoepli Editore, 1936. Biblioteca de la Real Academia de España en Roma.

Architettura e Arti Decortive, XI, Luglio 1927. Biblioteca de la Real Academia de España en Roma.

Architettura, XI, Marzo 1933. Biblioteca de la Real Academia de España en Roma.

Casabella, 73, Enero 1934. Biblioteca de la Real Academia de España en Roma.

Domus, 61, Enero 1933. Biblioteca de la Real Academia de España en Roma.

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aizpúrua e roma, EL PROYECTO

El trabajo analiza el desarrollo de la arquitectura de los años veinte y treinta en España y su relación con Italia y Roma a través de la figura de José Manuel Aizpúrua. El arquitecto, que en gran parte de sus proyectos trabajó con Joaquín Labayen, estuvo al tanto de las novedades del momento, incluidas las italianas, gracias a diferentes publicaciones y viajes.

En 1930 Aizpúrua, Fernando García Mercadal, Josep Lluís Sert y otros arquitectos, crearon el GATEPAC, que fue el delegado español de los CIAM y publicó la revista AC. El boletín, junto con determinados magazines y libros, recogió algunos proyectos que se estaban realizando en Italia.

Tras las primeras propuestas, los integrantes del GATEPAC, siguiendo los pasos de varios arquitectos  europeos e italianos, entendieron la modernidad a partir de la tradición mediterránea y vernácula. Se trató de una orientación defendida por García Mercadal o Teodoro de Anasagasti, que habían estado pensionados en la Real Academia de España en Roma (RAER).

En 1934 Aizpúrua, que previamente había estado en Holanda, Alemania, Francia o Suiza, viajó a Italia, donde tuvo la oportunidad de conocer directamente la arquitectura y las artes de aquel país y su vinculación con el fascismo, tras haber participado en la fundación de Falange Española un año antes. Su estancia coincidió con el pensionado de los arquitectos Mariano Rodríguez Orgaz y José Ignacio Hervada en la RAER, la visita de Le Corbusier, la celebración de la Mostra della Rivoluzione Fascista, la Esposizione Aeronautica, las obras de construcción de la ciudad universitaria de Roma, además de destacados proyectos en diferentes ciudades que Aizpúrua fotografió.

En suma, a través de la mirada de Aizpúrua se analiza una época que tuvo una especial transcendencia en la arquitectura en España de años posteriores.

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SOBRE javier muñoz

Profesor del Departamento de Historia del Arte y Música de la Universidad del País Vasco/Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU). Sus líneas de investigación son la historia de la arquitectura, la historia urbana y el patrimonio en época contemporánea.

Correo electrónico: javier.munoz@ehu.eus

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agradecimientos

Muchas gracias a las personas e instituciones que han colaborado en esta exposición y en el desarrollo de este proyecto, especialmente al personal de la Real Academia de España en Roma.

Aizpurua, José Manuel.

Alonso Campoy, Margarita. Archivo y Biblioteca de la Real Academia de España en Roma.

Archivo Histórico del Colegio Oficial de Arquitectos de Catalunya. Nuria Masnou, Montse Viu y Moisés Puente.

Armiero, Laura. Biblioteca centrale della Facoltà di Architettura. Sapienza Università di Roma.

Barbieri, Giuseppe. Sapienza Università di Roma.

Biblioteca de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid.

Bellanca,  Calogero. Sapienza Università di Roma.

Causarano, Federica. Università IUAV di Venezia.

Donostiako Udal Artxiboa- Archivo Municipal de Donostia-San Sebastián. DUA-AMSS. Luis Taboada y Belén Martínez.

Hierl, Sebastian. Biblioteca de la American Academy in Rome.

Fototeka Kutxa de Donostia-San Sebastián. Mikel Astigarraga.

Labayen, Juan.

Lavellés, Elena.

Medina Murua, José Ángel. Universidad de Navarra.

Monaco, Antonello. Sapienza Università di Roma.

Mora, Susana. Universidad Politécnica de Madrid.

Museo de la Universidad de Navarra. Ignacio Miguéliz Valcarlos y Mara Sofía López.

Talamoda, Marida. Università di Roma 3.

Muchas gracias también a mis compañerxs y amigxs de la Academia con quienes he compartido una experiencia única y siempre enriquecedora, porque este proyecto sin ti no hubiese sido lo mismo.