Canova Casey

De la serie “La Grieta”

2018

Impresión digital s/papel Hahnemüller

121 x 91 cm

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Fernando Maquieira

La pieza surgió de las caminatas de la artista por Roma en el año 2018. Como ella misma relata: “Hice recorridos para visitar las casas en las que vivieron artistas a los que admiro. Entre ellos, Calvert Casey, escritor cubano-estadounidense que se suicidó en Roma en 1969 y del que había leído relatos y una novela impresionante, Notas de un simulador. Fui a la calle donde vivió y murió y allí encontré la pared que vemos en la parte inferior de la pieza expuesta. Una instalación eléctrica se había derretido y se percibía la capacidad que tiene Roma de asimilar la belleza de los accidentes. Antes o después, no lo recuerdo, encontré en mi camino la imagen superior: la fachada del estudio del escultor y pintor neoclásico Antonio Canova.

Bajo el título “La grieta” organicé una serie de imágenes que se relacionaban a partir de accidentes, quiebres y cortes, como aquella herida por la que Casey entró en su amante en el relato Piazza Margana. La grieta abre un hilo de luz.”

ÁNGELA BONADIES (Caracas, 1970)

RESIDENTE RAER 2017-2018

Artista interdisciplinar centrada en el ámbito fotográfico, ha recibido múltiples reconocimientos y becas, entre las que se incluyen, Residencia en Tabakalera, Artist Residency Program Goethe-Institut Salvador-Bahia/Vila Sul, beca Latinoamericana Experimenta-Sur, Residency Award en 18th Street Arts Center otorgada por el LACMA, DomusWeb Best of Architecture and Landscape Projects y la beca MAEC-AECID de la Real Academia de España en Roma.

En referencia a su trayectoria expositiva, ha participado en muestras en instituciones como La Virreina Centre de la Imatge, Los Angeles County Museum of Art (LACMA); 18th Street Arts Center, SiteLines Santa Fe, Abra Caracas, Stanford University, Centre d’Art Santa Mònica, Württembergischer Kunstverein Stuttgart (WKV), Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), After-the-butcher, Es Baluard, Bienal de Cuenca, Bienal de la Habana, Marco Monterrey o el Zentrum für Kunst und Medientechnologie (ZKM), entre otros.

Su trabajo se centra en la memoria, el archivo, la visibilidad e invisibilidad de estructuras culturales, las tensiones entre el espacio urbano y el medio rural y los desplazamientos.

www.galeriafreijo.com/es/artistas/colaboradores/angela-bonadies

Virgin forest in the province of Salta, Argentina

2022

Carboncillo y acrílico s/papel

180 x 122 cm

Propiedad de la artista

Fotografía de Galería Amrani

La obra recrea el grabado homónimo realizado por A. Terington en 1861. Forma parte de un proyecto que analiza la construcción de una mirada hacia el medio natural basada en el conocimiento científico característica de las primeras exploraciones europeas en América, para observar sus herencias en el presente y reflexionar sobre los procesos de desterritorialización, deforestación y modificación de entornos naturales del Sur Global. La imagen se desmonta y resignifica a partir del silenciamiento de una parte del paisaje.

GABRIELA BETTINI (Madrid, 1977)

RESIDENTE RAER 2015-2016

Artista visual española de origen argentino, es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y Master in Fine Arts por la University of East London.

Sus reconocimientos incluyen el premio Derivada de la Fundación Banco Santander, el Premio DKV, la beca MAEC-AECID en la Academia de España en Roma y la beca de la Fundación La Caixa y British Council para Estudios de Posgrado en el Reino Unido. Sus exposiciones individuales más recientes se incluyen dentro del programa de la galería Sabrina Amrani, entre otras muestras nacionales e internacionales.

Desde una perspectiva ecofeminista, sus intereses actuales entrelazan de forma transversal la ecología, la tradición del paisaje en la pintura y el binomio lugar/memoria, en una indagación que asocia las primeras colonizaciones culturales con problemáticas del presente. A partir de una revisión específica de la historia de la pintura y la representación del paisaje y la Naturaleza, observa cómo este medio se ha podido emplear para promulgar las ideas sobre las que se ha construido un pensamiento hegemónico, noratlántico y occidental, en relación con el modelo extractivista actual y la crisis socioambiental que genera. A la vez, busca la forma poética de señalar la relación histórica entre colonialismo y neoliberalismo a través de su propia biografía, marcada por la dictadura militar argentina (1976-1983).

www.gabrielabettini.com/

Coriandoli I

2021

Dibujo de grafito y gouache s/papel

140 x 109 cm

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Giorgio Benni y Marco Godoy

El dibujo Coriandoli I, confeti en carnavales, forma parte de un imaginario que alude a momentos vividos en la ciudad de Roma en tiempo de Pandemia. Dadas las circunstancias, el proyecto se configura en torno a aquello que remite a la urgencia de disfrutar de los placeres cotidianos y al duelo por la fragilidad de la existencia, estableciendo referentes con el género del Vanitas y el Carpe diem. Bermejo busca la confluencia de diferentes temporalidades en un instante. En su proyecto en Roma establece relaciones conceptuales y formales entre las cruces luminosas de las farmacias y las cruces de las iglesias, las carpas para hacer test del covid, las plegarias escritas por los fieles en Santa María del Trastevere, los huesos, las naranjas, los bodegones de Caravaggio, los nimbos de los santos, las nubes de tormenta, las bases doradas para tartas, el Tíber, los mapas, las serpentinas y los confetis.

NATI BERMEJO (Logroño, 1961)

RESIDENTE RAER 2020-2021

Licenciada en la Facultad de Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y doctora en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, se dedica a la praxis artística y la docencia en la Universidad de Vigo.

Dentro de su trayectoria artística, ha recibido múltiples premios y becas, como la CESIC, la beca Banesto (1991) o la beca MAEC-AECID de la Real Academia de España en Roma, entre otros.

Entre sus últimas exposiciones individuales destacan las realizadas en el CAB de Burgos; Galería Estrany de la Mota, Barcelona; Galería EGAM, Madrid; Galería Rafael Ortiz, Sevilla y Museo del dibujo ABC, Madrid. Dentro de las colectivas más recientes, ha participado para muestras en el MUSAC de León, el MNBA en Buenos Aires, Museo Castagnino y el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario; la Fundación Helga de Alvear, Badajoz; el CAB de Burgos; el Centro José Guerrero, Granada; el Instituto Cervantes, Beijing; la Real Academia de España en Roma; la Galería Die Ecke, Santiago de Chile y la Fundación RAC Pontevedra.

https://www.galeriarafaelortiz.com/natividad-bermejo/

Las siamesas locas o Las dos Alicias

2010

Óleo s/lienzo

180 x 130 cm

Propiedad de la artista

Fotografía de Galería Rafael Pérez Hernando

La pieza pertenece a un proyecto muy narrativo que gira en torno a la vida de dos hermanas siamesas. Las Golosas, que así se hacen llamar, simbolizan, por su doble condición física, lo monstruoso, en el sentido de aquello que no se adapta a la norma, y que por tanto es apartado y marginado. A través de estos personajes la artista reflexiona sobre la construcción de la identidad, explora los límites de lo normativo y se acerca a la deshumanización de las sociedades en la era digital.

La obra Las siamesas locas alude a la difamación con que el sistema patriarcal señala a aquellas mujeres cuya conducta o formas no corresponden con el estrecho lugar reservado para ellas. La pieza ha sido pintada con óleo sobre lienzo y, para su ejecución, la artista realizó primero modelos de plastilina, que después fotografió y pintó.

ROSALÍA BANET (Santiago de Compostela, 1972)

RESIDENTE RAER 2016-2017

Rosalía Banet es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo (1996), donde también obtuvo el título de Doctora en el año 2003, con su tesis doctoral Arte y SIDA en España. Un trabajo que se acercaba a la huella dejada por el sida en el arte español a través del cuerpo herido, uno de los temas fundamentales en su obra.

Es artista multidisciplinar, cuya práctica parte siempre del dibujo, para desarrollar proyectos que toman diferentes formas y formatos, desde pinturas o esculturas a instalaciones y piezas audiovisuales. A través de su trabajo analiza y reflexiona sobre los sistemas y patrones que habitamos, abordando temas relativos al territorio, el cuerpo y sus enfermedades, el alimento, la sociedad de consumo y la relación con la naturaleza.

Recientemente, ha sido galardonada con diversos premios y becas, entre los que destaca: Helsinki International Artist Programme (HIAP), beca DKV-Casa de Velázquez, beca de la Real Academia de España en Roma  y el primer premio Comunidad de Madrid Estampa.

Respecto a su trayectoria expositiva, cuenta con numerosas exposiciones individuales y colectivas en instituciones como Centro de Arte Alcobendas, MAS de Santander, galería Espacio Mínimo, galería Rafael Pérez Hernando, Centro de Arte Contemporáneo La Conservera o el Museo de Bellas Artes de Santander.

https://rosaliabanet.com

Tutta Roma. Contemplando instantáneas (Particolare)

2014

Técnica mixta: DM, 5 botes, PET, restos de goma s/DM

50 x 70 x 11,5 cm

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de B. Zubero

El proyecto Tutta Roma parte de un método de trabajo concreto y pautado: consultar y leer guías turísticas sobre la ciudad, visitar los lugares reseñados, permanecer en ellos y observar realizando dibujos y anotaciones. Posteriormente, una vez en el estudio, se procede a borrar las páginas del bloc y archivar los restos de goma. El resultado son 120 recipientes etiquetados que se muestran en el interior de una pequeña construcción de madera. Tutta Roma (particolare), como se indica, es un fragmento de la instalación, donde se concentran los restos de goma, por tanto de las vivencias, de cinco espacios relacionados con la Academia (San Pietro in Montorio, Tempietto di Bramante, Fontana dell’Acqua Paola, Passeggiata del Gianicolo y Trastevere).

 ISABEL BANAL (Castellfollit de la Roma, 1963)

RESIDENTE RAER 2013-2014

Artista graduada en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona, es profesora en la Escuela Massana.

Dentro de su trayectoria artística, destaca la beca MAEC-AECID de la Real Academia de España en Roma (2013- 2014) y la notoria cantidad de exposiciones individuales y colectivas que ha realizado tanto en España como en el extranjero. Ejemplo de ello son aquellas realizadas para Chiquita Room, Estrany-de la Mota Art Advisors. Barcelona, Museo de la Mediterrània, Rad-Art/ Bòlit, Fundació Joan Miró, Arts Santa Mònica, Galleria Enrico Fornello, Centro de Arte Contemporain Saint-Cyprien o Espacio Zero1.

Isabel Banal analiza en sus obras la relación entre sus orígenes rurales y la Escuela paisajística de Olot. Para ello, reflexiona sobre distintos soportes en los que la escala, la miniaturización y el uso del blanco en instalaciones son elementos recurrentes de su praxis.

http://www.isabelbanalx.com/

Edera 12

2012

Fotografía C-Print, inyección de tintas pigmentadas s/papel RC

145 x 120 cm

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Paula Anta

Edera conforma una serie de fotografías de instalaciones realizadas con hiedras artificiales pintadas con acrílico negro en distintos espacios históricos de la ciudad de Roma, en este caso, en San Carlo alle Quattro Fontane. La serie trata sobre la invasión del espacio por parte de lo sutil de las formas. La invasión de la naturaleza sigue un orden de arquitectura, una forma orgánica de la propia estructura. La elección del color negro tiene su significado. En este caso, no tiene nada que ver con una simbología del color, sino más bien con la relación entre la luz como otorgadora de existencia a los objetos: sin luz, desaparecen. La fotografía igualmente se debe a la deposición de luz sobre una superficie. La no luz, la oscuridad, crea aparentemente la desaparición de la realidad. Es por ello la elección del color negro, mostrando una contradicción entre la existencia y la desaparición de la realidad a través de la naturaleza del medio fotográfico y el fenómeno que la hace existir.

PAULA ANTA (Madrid, 1977)

RESIDENTE RAER 2011-2012

Doctora cum laude en Bellas Artes por la UCM, realiza el Doctorado Europeo en colaboración con la Akademie der Künste de Berlín y la Universidad de Saarbrücken. Ha recibido múltiples premios por su notoria trayectoria en el mundo de la producción artística entre los que destaca el XXI Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid, el XI Premio de Fotografía Pilar Citoler o el Premio de Fotografía Contemporánea Consell de Mallorca. Dentro de las becas destacan, por la relevancia que han tenido en su producción artística, la beca MAEC-AECID de la Real Academia de España en Roma (2011-2012), la del Colegio de España en París o la Beca Transversia en Senegal de la Fundación Ankaria.

Ha expuesto en la antigua Residencia de los Embajadores de España (Washington D.C. USA), Art D’Egypt (El Cairo, Egipto), Bienal de Dakar (Dakar, Senegal) o en el Nobel Prize Museum (Estocolmo, Suecia). En España, su trabajo se ha mostrado en Tabacalera, CA2M, Real Jardín Botánico, Círculo de Bellas Artes de Madrid, CCCB de Barcelona, Centro Sa Nostra de Palma de Mallorca, Laboral de Gijón, Centro Niemeyer de Avilés o el DA2 de Salamanca, entre otros. Paula Anta combina la imagen fotográfica con la instalación, y suele trabajar en series a partir de argumentos que luego desarrolla in situ a modo de escenificaciones. Su obra trata sobre la relación que divide y une a la vez lo natural con lo artificial, llevando la naturaleza más allá de sus posibilidades reales y mostrando el significado de cada paisaje como un hecho cultural en sí mismo.

www.paulaanta.com/

Idea as Model 2 (I)

2020

Cartulina s/cartón

107 x 76 x 4 cm

Propiedad de la artista

Cortesía de Luis Adelantado Valencia

Fotografía de David Zarzoso

Idea as Model 2 (IV)

2020

Cartulina s/cartón

107 x 76 x 4 cm

Propiedad de la artista

Cortesía de Luis Adelantado Valencia

Fotografía de David Zarzoso

Ambas piezas pertenecen al proyecto Idea as Model, título tomado de la exposición que en 1976 tuvo lugar en el Institute for Architecture and Urban Studies de Nueva York; en ella el arquitecto Peter Eisenman presentó su maqueta axonométrica: una investigación teórica sobre el papel de la maqueta como expresión de la arquitectura con independencia de su finalidad en la que «Eisenman tenía la intención de demostrar la tesis de que la maqueta podía ser algo más que el simple registro de un proyecto y que, al igual que los dibujos de arquitectura, su existencia podía considerarse con independencia del proyecto que representara. Eisenman reivindicaba así la maqueta conceptual con autonomía, como parte del proceso de diseño, en oposición a esta como herramienta».  Concretamente estas dos obras podrían ser el boceto o el trabajo preparatorio de una pieza escultórica de gran formato que constituye el eje central del proyecto; así, ambos collage se componen tomando como referencia los engranajes y piezas de unión de esa escultura para formalizar una especie de mecanos que, como si de un juego se tratara propone un camino de ida y vuelta del boceto a la obra y de la obra al boceto.

IRMA ÁLVAREZ-LAVIADA (Gijón, 1978)

RESIDENTE RAER 2011-2012

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo, vive y trabaja en Madrid. Su trabajo ha sido exhibido tanto en España como en el resto de Europa, así como en Seúl, EEUU, Puerto Rico o México. Ha sido becada por Cajastur, la Residencia de Estudiantes de Madrid o el Colegio de España en París. En el año 2012, obtiene la beca de la Real Academia de España en Roma y, en 2014, la de la Casa de Velázquez. En 2017, recibe una beca para desarrollo de proyectos artísticos de la Fundación Marcelino Botín; este mismo año, el Ministerio de Cultura francés (Culturefrance) le otorga una beca de Residencia en la Cité Internationale des Arts de París.

Durante el último período ha expuesto individualmente en la Galería Luis Adelantado (Valencia), la Fundación RAC y la Cidade da Cultura de Santiago de Compostela (Galicia) y en la Fundación Cerezales (León). Este año ha participado en muestras internacionales en el Centre Bel Ordinarie de Pau (Francia), en Estudio 50 de La Habana (Cuba) y en el Centre Pompidou de Málaga. Actualmente prepara una muestra individual para el Museo de BBAA de Asturias.

En su praxis aborda la idea del vacío, concentrándose no sólo en lo que vemos, sino en aquello que no está presente, pero no por eso deja de ser ‘visible’, y haciendo un especial hincapié en la forma en la que se presenta la obra, así como en la jerarquía misma de los materiales y los sistemas y procesos por los que la obra navega antes de ser vista y entendida como arte.

La artista enfoca su mirada no en aquello que vemos como ‘terminado’ sino en todos esos momentos transitorios del proceso creativo, dando visibilidad a todo lo que suele escondérsele al espectador, logrando así articular obras ‘dialécticas’, que son en sí mismas pero que, a la vez, contienen todas las narrativas de lo que fueron o de lo que vino antes que ellas.

https://www.irmaalvarezlaviada.com/

El cataclismo nos alcanzará impávidos #4

2015

Fotografía a color, inyección de tintas pigmentadas de conservación s/papel Ilford Smooth Pearl

64 x 94 cm.

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Greta Alfaro

El cataclismo nos alcanzará impávidos #5

2015

Fotografía a color, inyección de tintas pigmentadas de conservación s/papel Ilford Smooth Pearl

32 x 46 cm.

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Greta Alfaro

Atrapados entre el placer y la repugnancia, somos testigos de la interacción de un hombre desnudo con un ostentoso bodegón barroco. De manera lenta, exquisita y exasperante, las escenas avanzan desde la ambigüedad hasta lo explícitamente sexual. Todos los estratos de la naturaleza, muertos y sometidos al humano, son violentados en un acto sin placer ni conclusión otra que la destrucción.

El cataclismo nos alcanzará impávidos es una alegoría del deseo insaciable que provocan el consumismo y los media, del exceso que caracteriza a la sociedad contemporánea, y de las desigualdades, el abuso de poder y la catástrofe ecológica y humana llevada a cabo por el hombre.

El proyecto consta de una pieza de vídeo de media hora de duración, una instalación con smartphones y una serie de fotografías. Fiel a la tradición de la naturaleza muerta, estas imágenes muestran más de lo que se revela al ojo, puesto que han sido tomadas después de que el actor haya interactuado con ellas.

GRETA ALFARO (Pamplona, 1977)

RESIDENTE RAER 2014-2015

Artista visual, licenciada en BBAA por la Universidad Politécnica de Valencia y Máster en Fotografía en el Royal College of Art, Londres.

Ha recibido los premios y becas de Carapelli, Unicaja, Generaciones, El Cultural de Fotografía, o la Fundación BBVA. Ha sido artista residente en Glynn Vivian Art Gallery en Gales, Gobierno de México, Academia de España en Roma, Casa de Velázquez, BilbaoArte y Programa Landarte.

Entre sus exposiciones individuales destacan las celebradas en el ExTeresa en Ciudad de México 2012, Museum of Contemporary Art Hiroshima, Japón 2013, Artium, Vitoria-Gasteiz 2014, Flint Institute of Arts, Michigan 2015, La Gallera (Consorci de Museus de la Generalitat Valenciana) 2016, Universidad Miguel Hernández, Elche 2020, Galería Cooke-Latham, Londres 2021. Expone regularmente en la Galería Rosa Santos en Valencia y Madrid. Ha realizado proyectos site-specific en Londres con Genesis Foundation en 2012 y con Roaming Room en 2019.

Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en lugares como Whitechapel Gallery, Institute of Contemporary Art y Saatchi Gallery en Londres, Centro Cultural Banco do Brasil en Brasilia, Bass Museum of Art Miami; La Conciergerie en París, Künstlerhaus Bethanien Berlín, Centre d’Arts Santa Mònica en Barcelona, Museo de Navarra, La Casa Encendida y Centro Conde Duque en Madrid, y en festivales como el International Film Festival Rotterdam 2011.

Actualmente es vocal del Patronato del Centro Huarte de Arte Contemporáneo de Navarra.